El documento describe varios movimientos artísticos que surgieron entre finales del siglo XIX y principios del XX, como reacción a los estilos previos. Entre ellos se encuentran el impresionismo, posimpresionismo, neoimpresionismo, art nouveau, expresionismo y fauvismo. Cada movimiento se caracterizó por explorar nuevas técnicas pictóricas y temas, con énfasis en el uso del color para transmitir emociones. Los principales exponentes de cada estilo desarrollaron enfoques individuales que marcaron el rum

1. ANGUARDIAS
Diseño y compilación: Alejandro Giraldo Castellanos
Bibliografía: “Breve historia del arte” - Susie Hodge
Movimientos Artísticos
Y

2. El impresionismo no fue propiamente un
ismo de vanguardia, sino un antecedente
contra el que reaccionaron los
vanguardistas. Su principal aporte a las
vanguardias fue la liberación del poder
expresivo del color.

3. Impresionismo
1865 1885
Durante la segunda mitad del siglo XIX, un grupo
de artistas afincados en París expuso su obra de
forma independiente. Sus piezas que parecían
bocetadas buscaban captar momentos fugaces.

4. EXPONENTES
principales
Cassatt
Mary
Monet
Claude
Degas
Edgar
Renoir
Pierre-Auguste
Pissarro
Camille

5. características
algunas
Los impresionistas evolucionaron en parte del realismo y de los paisajistas
holandeses y británicos. Querían alejarse de la dominación y rigidez de las
academias de arte oficiales.
Sus principales sujetos para pintar fueron los paisajes y escenas cotidianas
con personas corrientes, aunque lo que les interesaba era los efectos
lumínicos momentáneos.
Las pinceladas rápidas e intermitentes con toques de color enfatizaban los
cambios climáticos y lumínicos.
Solían pintar al aire libre y muchos adoptaron la técnica “alla prima” (a la
primera) donde aplicaban la pintura allí delante los motivos y no en el estudio.
Mediante el uso de técnicas pictóricas y escultóricas imprecisas, la fotografía
y los nuevos colores sintéticos, produjeron lo que parecían imágenes
espontáneas con brillantes colores y en la escultura momentos dinámicos.

6. aportes
principales
Gracias al
desarrollo de las
nuevas ideas a
partir de la
fotografía, la
mayoría pintaba a
partir de puntos
de vista
inusuales.
Los
impresionistas
empleaban colores
en lugar del negro
para la sombra al
igual que los
realistas y
paisajistas.
Los impresionistas se
inspiraron en la
escuela de
Barbizon, Eugène
Delacroix, los
grabados
japoneses, el
desarrollo industrial
y las teorías
científicas del color.

7. SOL NACIENTE
Claude Monet
El más constante en
cuanto a la captura de
momentos fugaces y
efectos lumínicos con
colores vibrantes y
pinceladas rápidas.

8. Postimpresionismo
El término postimpresionismo, empleado por
primera vez en una exposición de 1910, abarca
varios estilos asumidos por artistas que siguieron el
impresionismo y exploraron nuevos y coloridos
enfoques, movimiento ocurrido en Europa, más
exactamente en Francia.
1885 1910

9. EXPONENTES
principales
Rousseau
Henri
Cézanne
Paul
Van Gogh
Vincent
Gauguin
Paul
Lautrec
Henri De Toulouse

10. características
algunas
El artista y crítico Roger Fry fue el que inventó el término para su exposición
de 1910 titulada “Manet y los postimpresionistas” reaccionando contra los
impresionistas.
Aunque siguieron usando los colores vívidos, no retrataron el mundo
directamente como si lo habían hecho los impresionistas.
Algunos expresaron la atmósfera y la espiritualidad mediante el color y el
simbolismo; otros exploraron los efectos ópticos y el análisis de de
estructuras subyacentes.
La mayoría desarrolló su obra de forma independiente y, aunque algunos se
relacionaron al principio con los impresionistas, no todos lo hicieron.
Los artistas agrupados por Fry contaban con estilos propios que expresaban
menos lo que veían y más lo que sentían. Cada uno empleó su propio enfoque,
el color y la forma solían ser importante para ellos.

11. aportes
principales
Muchos
impresionistas
emplearon el color
para moldear y
expresar la
estructura de los
objetos.
Los que
trabajaron en el
sur de Francia
usaron colores más
vívidos y
representaron
temas de la vida
contemporánea.
Algunos se sirvieron
de la fotografía aún
más que los
impresionistas y
retrataron la vida
desde puntos de
vista inusuales.

12. CAFÉ DE NOCHE
Vincent Van Gogh
Conocido por su vida turbulenta como por sus pinturas, que
son de una viveza expresiva sin igual, alteró el curso del arte.

13. Neoimpresionismo
El término neoimpresionismo, lo empleó por
primera vez el crítico de arte Félix Fénéon en 1886
para describir la obra de Georges Seurat, Paul
Signac y sus seguidores.
1886 1906

14. EXPONENTES
principales
Pissarro
Camille
Seurat
Georges
Edmond
Henri
Rysselberghe
Théo Van
Signac
Paul

15. características
algunas
También llamado “divisionismo” y “puntillismo”, el neoimpresionismo es tanto
un movimiento como un estilo centrados en la intensidad del color.
Se basó en las teorías científicas del color, específicamente en la de Michel
Eugène Chevreul que determinó que la percepción de cada color se
influenciada por los colores que estén cerca a este.
La idea era que los colores se combinasen en los ojos del espectador y que
resultasen más vívidos y luminosos que si se hubiesen mezclado antes.
Los efectos más brillantes se logran con los colores complementarios
adyacentes: el rojo y el verde, el azul y el naranja, el morado y el amarillo.
Los artistas yuxtaponían diminutos toques o puntos de colores puros sin
mezclarlos antes, para así, dar mayor intensidad a sus pinturas.

16. aportes
principales
Seurat y sus
seguidores se
alejaron de la
espontaneidad del
impresionismo.
A pesar del
alejamiento
siguieron
empleando
vívidos colores.
La distribución de
colores
complementarios
muy aproximados
se convirtió en un
método usado por
todos los
neoimpresionistas.

17. La Pastora
Camille Pissarro
Esta pintura es la demostración
mediante el método puntillismo de
Seurat. La aplicación de miles de
diminutos puntos de color da paso a
detalladas pinturas donde se
observa la luminosidad y oscuridad
sin negros ni grises.

18. “Conjunto de movimientos artísticos, o
“ismos”, que surgen entre finales del siglo
XIX y a lo largo del XX como reacción a un
orden previo, a una realidad establecida.
“
Vanguardias

19. “
Las primeras vanguardias, llamadas históricas,
se desarrollan desde el comienzo del siglo
hasta la Segunda Guerra Mundial y su devenir
queda condicionado por las censuras que
imponen los enfrentamientos bélicos.
“
Marco histórico

20. En el siglo XX los movimientos artísticos
no se suceden ordenadamente sino que
se atropellan, se superponen, desfallecen
y resucitan, por lo que es difícil
establecer la secuencia cronológica. Los
artistas pasan, a veces, de una tendencia
a otra, o las cultivan simultáneamente
como hizo Picasso.

21. Art Nouveau
El Art Nouveau fue un movimiento relacionado con
el arte, el diseño y la filosofía que tuvo un amplio
alcance pero corta duración, y que se desarrolló en
las últimas décadas del siglo XIX y primeras del XX.
1890 1914

22. EXPONENTES
principales
Lalique
René Jules
Klimt
Gustav
Mackintosh
Charles Rennie
Mackmurdo
Arthur Heygate
Mucha
Alphonse

23. características
algunas
Surgió de forma casi simultáneamente en distintas partes de Europa y
Estados Unidos. Fue un intento por crear una forma de expresión moderna.
Movimiento versátil que se materializó en pinturas, esculturas, orfebrería,
metalistería, cerámica, diseño gráfico, mobiliario, arquitectura entre otras.
Es un intento por modernizar el diseño y a la vez conciliar la producción
en masa con la artesanía.
Sus creadores produjeron diseños sinuosos, fluidos y elegantes, a menudo
con composiciones asimétricas, que transmiten la sensación de movimiento.
Tuvo influencias del arte celta, del neogótico, del rococó, del esteticismo,
del simbolismo y del japonismo.

24. aportes
principales
El Art Nouveau
sentía predilección
por los temas
orgánicos y
motivos
como los
insectos,
la vegetación, los
animales y la
forma femenina.
En los elementos
decorativos se
emplearon la
plata, el peltre y
la madreperla.
Proliferaron las
composiciones
sencillas, fluidas
y de estilo
japonés.
En su afán por
abandonar lo que
percibían como
una decoración
frívola, la mayoría
se guió por la
idea de que la
función del objeto
determina la
forma.

25. EL BESO
Gustav Klimt
Reconocido por lo
general como el mejor
pintor del Art Nouveau.
Desarrolló un estilo
característicamente
ornamental y sensual.

26. Expresionismo
Aunque internacional, el expresionismo apareció
por primera vez y de forma simultánea en varias
ciudades alemanas e ilustró la ansiedad provocada
por la modernidad.
1905 1930

27. EXPONENTES
principales
Marc
Franz
Munch
Edvard
Kokoschka
Oskar
Rouault
Georges
Klee
Paul

28. características
algunas
Los expresionistas distorsionaban las formas y empleaban colores intensos
para transmitir su malestar ante la forma que estaba adoptando la sociedad.
Criticó a la civilización, sobre todo, a los efectos negativos del capitalismo.
Fue esta la primera vez que los artistas, en lugar de representar al mundo
exterior, expresaron sus propios sentimientos.
Sus trazos a menudo eran exagerados y agitados, y los colores intensos y
discordantes. La atmósfera antes, durante y después de la primera guerra
mundial inspiró muchas de sus expresiones de ira, violencia y frustración.
En sus representaciones figuraban individuos marginados, como prostitutas,
así como rostros de enmascarados o con aspecto de máscara.
En 1905, cuatro artistas alemanes formaron en Dresde el grupo Die Brücke (El
Puente) que fue el precursor del movimiento. Años después en 1911, se formó
en Múnich el grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

29. aportes
principales
Aunque comenzó
en Alemania,
muchos de los
expresionistas
más preciados
no fueron
alemanes.
Los
expresionistas
buscaron imponer
la fuerza de sus
ideas y opiniones
al público y
usaron formas
individuales de
simbolismo para
transmitir sus
pensamientos.
La armonía y el
equilibrio eran
irrelevantes, puesto
que los artistas
querían expresar
intensos
sentimientos.

30. BAJO LA LLUVIA
Franz Marc
En 1810 Goethe escribió
que el color tenía una
energía emocional que
afecta al creación pictórica.

31. Expresionismo
El movimiento expresionista en Alemania surgió a
partir de la actividad de los grupos más pequeños
Dir Brücke y Der Blaue Reiter. Alemania se
convirtió en un escenario natural del surgimiento
del expresionismo.
Alemán
1905 1935

32. EXPONENTES
principales
Nolde
Emil
Kirchner
Ernst Ludwig
Dix
Otto
Grosz
George
Beckmann
Max

33. características
algunas
Los artistas de Die Brücke plasmaron posturas sociales radicales a través de
las figuras, las escenas urbanas y los paisajes, mientras que los de Der Blaue
Reiter intentaron dar valores espirituales mediante el color.
Los artistas de la Neue Sachlichkeit intentaron retratar la realidad objetiva
en lugar de usar el enfoque subjetivo del expresionismo.
Max Beckmann y George Grosz fueron autores de despiadadas imágenes
satíricas de la sociedad de Weimar.
Muchos de los expresionistas alemanes quedaron traumatizados por la
primera guerra mundial, y, a partir de 1915, su obra fue una forma
autoconsciente de protesta.
En la década de 1920 surgió el estilo Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad), el
cual supone una critica visual a la corrupción y desmoralización de la Alemania
de posguerra.

34. aportes
principales
El centro artístico
Alemán más
importante a
comienzos del
siglo XX fue la
Galerie Der
Sturm, en Berlín.
En esta galería se
expusieron obras
expresionistas,
sobre todo
pinturas de los
grupos Die
Brücke y Der
Blaue Reiter.
La galería la fundó
y regentó el critico
de arte alemán de
izquierda Herwarth
Walden, que
también publicó la
revista Sturm,
abanderada del
expresionismo
alemán.

35. CALLE CON BUSCONA DE ROJO
Ernst Ludwig Kirchner
Miembro fundador del grupo Die
Brücke, uno de los expresionistas
más influyentes. Su obra estuvo
motivada por la ansiedad ante el
estado del mundo.

36. Fauvismo
Inspirándose al comienzo en ciertos
postimpresionistas, el grupo de pintores al que
denominaron Les Fauves (Las bestias salvajes)
empleaba vívidos colores y pinceladas libres.
1905 1909

37. EXPONENTES
principales
Marquet
Albert
Matisse
Henri
Kokoschka
Oskar
De Vlaminck
Maurice
Derain
André

38. características
algunas
La mayoría de los fauvistas se inspiraron en la exploración de la solidez
realizada por Paul Cézanne, las pinceladas expresivas de Vincent Van Gogh y
el uso de los colores puros yuxtapuestos de Georges Seurat.
Consideraban que su intuición y sus respuestas emocionales eran más
importantes que la teoría académica y que los temas elevados.
Las formas simplificadas y los colores saturados también resaltaban la
bidimensionalidad de las pinturas.
Se suele tener por líder a Matisse, al cual le siguieron en el uso de colores
intensos para describir la luz y el espacio y transmitir emociones edificantes.
Los fauvistas emplearon el color de una nueva forma para proyectar
sensaciones positivas y establecer estructuras sin limitarse a copiar la
naturaleza directamente.

39. aportes
principales
Cuando el grupo
liderado por
Matisse expuso
en París en 1905,
el crítico Louis
Vauxcelles, se
refirió a las
pinturas como
“bestias salvajes”.
Innovaron en el
uso del color, la
expresión y el
énfasis en la
bidimensionalidad
en cada uno de
sus cuadros.
El fauvismo fue el
precursor de
movimientos como
el cubismo, el
expresionismo y la
abstracción.

40. BARCOS DE COLLIOURE
André Derain
Uno de los tres principales fauvistas, que junto con Matisse y Vlaminck,
ayudó a desarrollar el breve movimiento que fue el fauvismo.

41. Cubismo
Este movimiento artístico moderno, tal vez el más
importante y, sin duda, el más influyente, fue
creado por Pablo Picasso y Georges Braque entre
1907 y 1908.
1907 1914

42. EXPONENTES
principales
Léger
Fernand
Picasso
Pablo
Metzinger
Jean
Gris
Juan
Braque
Georges

43. características
algunas
Los cubistas abandonaron la perspectiva usada para plasmar el espacio en el
renacimiento y dieron la espalda a la representación realista de figuras.
La obra de Picasso “Las señoritas de Avignon” deja ver la influencia de
Cézanne, así como la de las máscaras africanas y las esculturas iberas.
La primera fase del cubismo -cubismo analítico- duró hasta 1912, y consistía
en la fragmentación de los objetos, usar gama de colores restringida para
representar formas tridimensionales sobre dos dimensiones.
la segunda fase del cubismo -cubismo sintético- que incluyó el uso de
materiales no artísticos como periódicos, para los collages y el empleo de
colores más vívidos se prolongó hasta 1914.
Retrataban los objetos desde distintos ángulos. Inspirándose en Cézanne,
cuya obra habían conocido en una exposición retrospectiva de 1906.

44. aportes
principales
Picasso y Braque
abandonaron las
tradiciones
artísticas
europeas con
respecto a la
creación de la
ilusión de espacio
desde puntos de
vista fijos.
Con la
representación de
los objetos desde
distintos ángulos a
la vez, los
cubistas dejan
ver más que las
imágenes
convencionales
de una sola
perspectiva.
Uno de los
primeros críticos de
estas obras, Louis
Vauxcelles, las
describió como
“pequeños cubos”,
lo que dio lugar al
término cubismo.

45. EL ACORDEONISTA
Pablo Picasso
En esta pintura la descomposición
de los ángulos y las superficies, y la
gama, casi monocroma, lo
descomponen casi hasta llegar a la
abstracción total.

46. Futurismo
Comenzó como un movimiento literario en 1909 se
convirtió en el primer movimiento artístico surgido
en Italia como celebración de las máquinas, la
modernidad, la velocidad y la violencia.
1909 1914

47. EXPONENTES
principales
Ballà
Giacomo
Boccioni
Umberto
Russolo
Luigi
Carrà
Carlo
Severini
Gino

48. características
algunas
“Declaramos que la majestuosidad del mundo se ha visto enriquecida por la
belleza de la velocidad”. Escribió el poeta Filipo Tommaso Marinetti en el
Manifiesto Futurista publicado en el periódico francés Le Figaro en 1909.
Querían alejarse de la carga histórica, y los artistas implicados juraron destruir
las galerías de arte y museos a fin de liberar al país de su propio pasado.
Optaron por temas de la vida cotidiana y proyectaron velocidad y movimiento,
por lo que a menudo usaron varias exposiciones fotográficas como referencia.
Se valieron de la pintura, la escultura, la música, la literatura, la arquitectura y
el diseño. Tuvo varios elementos comunes con el cubismo.
El futurismo se inclinó por la creación de un arte que acogiese la tecnología, la
mecanización, la potencia y la energía.

49. aportes
principales
Boccioni
inicialmente se
centró en Milán,
pero en 1911
Boccioni, Carrà,
Russolo
permanecieron en
París con Severini
quien vivía allí
desde 1906.
Estos artistas
crearon un lenguaje
artístico que
abordaba “la
expansión de los
objetos en el
espacio” y los
“estados
mentales”.
Con todo, el
cubismo fue
estático y tenue,
mientras que el
futurismo
fue vívido y dinámico.

50. FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD
EN EL ESPACIO
Umberto Boccioni
Esta figura representa a un ser humano
deformado aerodinámicamente por el
movimiento. Las irregulares superficies
parecen moverse y cambiar al
observarse desde distintos ángulos.

51. Suprematismo
Al artista ruso Kazimir Malévich le debemos uno de
los primeros y más radicales aportes al arte abstracto.
En 1915, pintó un gran cuadro rojo sobre un fondo
blanco, obra que señaló el inicio del suprematismo.
1915 1925

52. EXPONENTES
principales
Chashnik
Ilyá
Malévich
Kazimir
Rozanova
Olga
Popova
Liubov
Lissitzky
El

53. características
algunas
Malévich fue influido por el cubismo, el futurismo y ciertos poetas vanguardistas,
inventó un arte completamente abstracto y se centró con pasión en el retrato de
los elementos esenciales más descarnados.
Creía que su arte era superior a todo lo creado antes, y que, conduciría a la
“supremacía del sentimiento o la percepción en las artes pictóricas”.
La pureza de los colores y de las formas tenía como objetivo hacer que el
espectador contemplara las ideas más allá de las apariencias superficiales.
Las autoridades comunistas acabaron por atacar al suprematismo, aunque al
principio lo acogieron como un estilo fresco para el nuevo régimen.
Elaboró cuadros solo a base de rectángulos, líneas y círculos, y con una paleta
restringida, enfatizó las formas, la bidimensionalidad de los lienzos.

54. aportes
principales
En su abandono
de toda noción
del mundo real, el
suprematismo
influyó en el arte
abstracto y fue
importante en la
conformación del
constructivismo.
En 1915 se
celebró la primera
exposición
suprematista en
San Petersburgo,
que contó con 35
pinturas de
Malévich.
En 1927 Malévich
publicó el libro
titulado El mundo
no objetivo, que
ejerció un profundo
impacto en el
desarrollo de la
pintura abstracta.

55. CUADRADO ROJO
Kazimir Malévich
El fondo blanco
simbolizaba el infinito,
desde el cual parece
proyectarse la figura
roja. La obra, es reflejo
de la convulsión que
conllevó la primera
guerra mundial.

56. Dadaismo
El dadaismo, iniciado en la neutral Zúrich, Suiza,
como reacción a los horrores de la primera
guerra mundial, se desarrolló a modo de
movimiento “antiartístico”.
1916 1930

57. EXPONENTES
principales
Schwitters
Kurt
Duchamp
Marcel
Picabia
Francis
Höch
Hannah
Arp
Hans (Jean)

58. características
algunas
El dadaismo abarcó las artes visuales, la literatura, la poesía, la música y el
diseño gráfico. Además de ser antibelicista, fue antiburgués y guardó afinidad
política con la izquierda radical.
El arte que produjeron los dadaístas rechazaba las convenciones sociales, era
caprichoso, colorido y absurdo. Movidos por el afán de impresionar, ofender y
encolerizar, todos los dadaístas procuraron mostrar irreverencia e insolencia.
El nombre del grupo lo escogió el poeta Tristan Tzara que buscó de adrede
una palabra ilógica. El término dada significa “caballito” en francés, “sí,sí” en
ruso y rumano, y carece de significado en la mayoría de los idiomas.
Estas sarcásticas y furibundas actitudes no tardaron en extenderse a otras
ciudades a nivel mundial como Berlín, Hanover, París, Nueva York y Colonia.
Hugo Ball (fundador) y Tristan Tzara (principal impulsor) fueron importantes
representantes de esta vanguardia en el ámbito de la literatura.

59. aportes
principales
Fue el primer
movimiento de arte
conceptual, y sus
artistas generaron
complejas
cuestiones
relacionadas con la
sociedad, la
función del artista
y el objeto del arte.
Solían usar los
llamados ready-
mades, u objetos
encontrados
(objetos creados
con fines no
artísticos),
mientras otros
artistas realizaron
collages con
basura.
El escándalo que
provocaban era
intencionado y este
no se puede
prolongar
indefinidamente, el
movimiento no
tardó en perder
fuerza y darle paso
al surrealismo.

60. FUENTE
Marcel Duchamp
Aunque nunca estuvo
relacionado con ningún
grupo dadaísta, sí que
llegó a asociarse con la
irreverencia de este
movimiento.
En esta obra quiso
ridiculizar a la
pretensiosa vanguardia
estadounidense.
El seudónimo fue
meticulosamente
escogido, la erre es de
Richard, que en jerga
francesa, significa
“ricachón”, y Mutt hace
referencia al fabricante
del orinal.

61. Neoplasticismo
El artista neerlandés, Piet Mondrian empleó el
término neoplasticismo para describir sus propias
pinturas abstractas, compuestas con líneas rectas,
blanco, negro y colores primarios.
1917 1931

62. EXPONENTES
principales
Rietveld
Gerrit
Mondrian
Piet
Vantongerloo
Georges
Leck
Bart van der
Doesburg
Theo van

63. características
algunas
En 1917, el pintor, diseñador, escritor y crítico Theo van Doesburg publicó en
los Países Bajos la revista De Stijl (El Estilo), la cual plasmaba ideas de un
grupo de artistas y arquitectos.
Aunque Mondrian se refirió a este estilo como neoplasticismo, también se le
llamó De Stijl, y se basó en la reducción de todos los elementos a las formas y
colores más fundamentales en función de la espiritualidad o intuición del artista.
Esta nueva idea plástica se plasmará en la línea recta y el color primario
claramente definido.
Estas ideas surgieron a partir de las creencias teosóficas de Mondrian, las
cuales llevaron a buscar las armonías universales y el orden espiritual del
mundo mediante el arte.
Esta publicación fue importante para la transmisión de las ideas artísticas de
Piet Modrian.

64. aportes
principales
Mondrian es
influido por el
cubismo, el
suprematismo, el
constructivismo y
las ideas de Van
Doesburg y Bart
Van der Leck.
Se centró solo en
el uso de formas
geométricas,
líneas rectas,
asimetrías,
equilibrios y
armonías.
Cuando estalló la
segunda guerra
mundial, los
neoplasticistas se
habían dispersado,
solo pocos
siguieron fieles a
los principios del
movimiento.

65. BROADWAY BOOGIE
WOOGIE
Piet Mondrian
Mondrian empleó varios años
en simplificar la pintura al
máximo. Esto le llevó a
reducir todas las
descripciones del mundo a
colores primarios y elementos
verticales y horizontales, los
cuales representan las
fuerzas opuestas de lo
positivo y lo negativo, lo
dinámico y lo estático, lo
masculino y lo femenino.

66. Bauhaus
Las ideas procedentes de todos los movimientos avanzados
de arte y diseño se analizaron, se fusionaron y se aplicaron a
la resolución de problemas de diseño funcional y
producción de máquinas en una escuela de diseño alemana:
La Bauhaus, que traducido literalmente, significa “La casa
estatal de la construcción”.
1919 1933

67. EXPONENTES
principales
Flavin
Dan
Gropius
Walter
Andre
Carl
Lewitt
Sol
Morris
Robert

68. características
algunas
El currículo se centraba en el estudio de materiales, teoría del color e
introducción a estudios especializados. Más tarde, los estudiantes entraban en
workshops de tejido, metal, alfarería, tipografía, pintura de pared o ebanistería.
La Bauhaus tuvo tres etapas. En Weimar (1919-1924) se da especial importancia
al diseño para la producción en masa. Se libran de todo elemento decorativo
dejando líneas limpias y funcionales. EL eslogan “Arte dentro de la Industria”.
En Dessau (1925-1932) el propio Gropius diseñó un nuevo edificio para la escuela.
Muchas características de este edificio se convertirían en distintivos de la arquitectura
moderna como las paredes acristaladas o las construcciones con marcos de acero.
En Berlín (1933) debido al acoso del Partido Nazi y a que la Gestapo exigía que
los “bolcheviques culturales” fueran sustituidos por simpatizantes nazis, los
profesores votaron a favor de disolver la Bauhaus el 10 de agosto de 1933.
Los estudiantes empezaban como aprendices, después se hacían oficiales y
finalmente los que eran los suficientemente buenos (dejando de lado la
democracia) se convertían en maestros.

69. aportes
principales
Considerada la
primera escuela
de diseño del
siglo XX, conectó
la importancia de
la teoría con la
práctica. Su
programa
educativo serviría
de modelo para
futuras escuelas y
universidades.
El diseño en la
bauhaus es limpio
sin adornos con
distintos
símbolos o
elementos
tipográficos
destacando el
color y dar un
mensaje muy
directo.
Implementó la
tipofoto, que es la
unión de la
tipografía y la
fotografía en un
mismo arte de una
manera práctica.

70. NESTING TABLES
Josef Albers
Muchos de los diseños de la
Bauhaus integraban el color.
Siguiendo los principios de
teoría del color enseñados en
el curso preliminar, los
diseñadores creaban diseños
funcionales (mesas versátiles,
diseñadas para funcionar
tanto independientemente
como interdependientemente)
que también podían ser vistas
como composiciones
abstractas en tres
dimensiones. Una de las
grandes enseñanzas de la
Bauhaus fue que siempre
debe haber conexión entre la
forma y el color.

71. Surrealismo
Surgido del dadaismo, el surrealismo se originó en
Francia a comienzos de la década de 1920 como
movimiento literario y artístico con afán de expresar
los pensamientos y sentimientos inconscientes.
1924 1966

72. EXPONENTES
principales
Masson
André
Dalí
Salvador
Ernst
Max
Miró
Joan
Magritte
René

73. características
algunas
El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la
publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton.
El surrealismo adoptó formas diversas; en un primer momento fue proyecto
esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se
fue adaptando a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine).
Varios surrealistas usaron el -automatismo- psíquico (cualquier forma de
expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control). Esto dio lugar a
que el consciente deje de operar y surjan imágenes y palabras del incosciente.
Se distinguieron dos modos de hacer arte surrealista: Uno que defendía el
automatismo, figuración propia (abstracta) - Joan Miró y André Masson -Y otro
que creía en la figuración naturalista - Salvador Dalí y René Magritte -
Breton estuvo influido por el dadaísmo, las teorías y estudios de los sueños de
Sigmund Freud y las ideas las ideas políticas de Karl Marx.

74. aportes
principales
Muchos
surrealistas
pintaron escenas
oníricas y
yuxtaposiciones
ilógicas que
exploraban el
proceso
inconsciente.
El simbolismo y
las imágenes
inesperadas, el
interés por el
inconsciente y el
desdén por las
convenciones
aumentaron las
posibilidades el
arte.
El surrealismo dio
lugar a expresiones
individuales, ya que
no hubo dos
artistas que
trabajasen del
mismo modo.

75. LOS ENAMORADOS
René Magritte
En las pinturas de Magritte suelen figuras rostros cubiertos con telas. Los deseos frustrados
también son un tema recurrente. En este caso, las dos figuras, aunque tienen las cabezas
cubiertas con una tela blanca, se besan a través de ella.

76. Mientras Europa pugnaba por recuperarse de la
segunda guerra mundial. Estados Unidos
asumió una posición de fuerza política,
económica y cultural.
1943 1965
ExpresionismoAbstracto

77. EXPONENTES
principales
Gorky
Arshile
Pollock
Jackson
Krasner
Lee
Guston
Philip
de Kooning
Willem

78. características
algunas
Movimiento dado entre 1943 y mitad de la década de 1950, donde el centro
mundial del arte se desplazó de Europa a Nueva York.
Fue un pequeño grupo de artistas vagamente relacionados con producciones
semejantes pero con enfoques distintos.
Creían en la espontaneidad, la libertad expresiva y el abandono de los temas
de la vida estadounidense que habían caracterizado el arte nacional durante
las últimas décadas.
Asustados por las atrocidades de la segunda guerra, los artistas expresaron
sus sentimientos a través de la pintura e inspirándose en la técnica surrealista
del automatismo.
El expresionismo abstracto se consolidó como el primer movimiento artístico
específicamente estadounidense en tener un impacto internacional.

79. aportes
principales
Quisieron hallar
los que hay bajo
la apariencia
superficial y
expresar las
emociones
interiores.
La técnica radial
y expresiva de
Pollock, principal
defensor del estilo,
se basaba en el
uso de palos,
palas y cuchillos.
También se utilizaba
el propio cuerpo
entero, para verter,
lanzar y hacer
gotear la pintura
sobre enormes
lienzos sin
imprimación
en el suelo.

80. SENDEROS
ONDULADOS
Jackson Pollock
La creación de pinturas
no figurativas hizo de
Pollock una personalidad
crucial del expresionismo
abstracto.
Esta es una de sus
primeras obras al estilo
Action Painting en las
que logró el deseado
efecto de espontaneidad.
En su elaboración, lanzó
e hizo salpicar y gotear
pintura sobre un lienzo
blanco sin tensar y sin
imprimación.

81. Pop Art
El pop art se desarrolló tanto en Londres como en
Nueva York como resultado de la aparición del
consumismo y los medios de publicación tras la
segunda guerra mundial.
1955 1970

82. EXPONENTES
principales
Johns
Jasper
Warhol
Andy
Lichtenstein
Roy
Blake
Peter
Hamilton
Richard

83. características
algunas
En una exposición londinense celebrada en 1956 se empleó el término pop en
un collage de Richard Hamilton realizado a base de revistas estadounidenses.
En su exaltación y análisis del consumismo y el mercantilismo, los artistas pop,
produjeron coloridas imágenes basadas en la publicidad, en los medios de
comunicación y las tiendas.
Se utilizaron estrellas de cine, tiras de cómic, banderas, envases y alimentos.
elementos con los que todos podían conectar.
Los temas deliberadamente distintos de los de las bellas artes, fueron
descarados y accesibles; además, las habilidades técnicas solían despreciarse.
La abundancia de artículos fabricados en serie, el mercantilismo y el
entretenimiento de masas dieron pie para llamarse “cultura popular” .

84. aportes
principales
Es un arte que
asumió el
materialismo y
difuminó las
fronteras entre el
arte comercial y
las bellas artes.
Distinto al arte
establecido, el
pop art reflejó el
optimismo que la
gente anhelaba
tras la segunda
guerra mundial.
El pop art
compartía aspectos
con el dadaísmo,
aunque nunca su
enfado, y al igual
que en la música
pop, puso gran
interés en exaltación
del nuevo mundo
moderno.

85. SIN TÍTULO, DE
<<MARILYN>>
Andy Warhol
Perceptivo y extravagante
Warhol desafió las
creencias sobre el arte.
Al transformar el rostro
de Marilyn en una
máscara inerte, estaba
criticando su
omnipresencia en los
medios de comunicación.
También optó por el
método de impresión
para enfatizar la
bidimensionalidad de la
pintura.

86. Performance art
Derivado directamente de numerosos movimientos,
entre ellos el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo,
el performance art comprende varios tipos de
creaciones presentadas en vivo ante el público.
1960 Actual

87. EXPONENTES
principales
Abramovic
Marina
Klein
Yves
Nauman
Bruce
Beuys
Joseph
Acconci
Vito

88. características
algunas
Surgido en el siglo XX, el performance art, se ha consolidado como una
alternativa aceptable a la pintura y escultura tradicionales.
Estas primeras representaciones se centraron sobre todo en el cuerpo
humano, por lo que a veces también se denomina “arte corporal” (body art).
Las obras pueden ser muy distintas entre sí, e ir de acciones y actividades
hasta rituales o tareas repetidas.
Suelen parecer absurdas (en la tradición dadaísta) o tener apariencia de
entretenimiento cuando se adhieren al uso de la cultura de masas que realizó
el pop art.
En 1957 Allan Kaprow empleó el término “Happenings” (acontecimientos) en
Estados Unidos para describir las representaciones artísticas en vivo.

89. aportes
principales
Muchos de los
primeros artistas
del performance
se inspiraron en las
fotografías que
hizo Hans
Namuth a
Jackson Pollock
mientras pintaba.
Otra variable de
este arte se
conoce como
“acciones”, ya
que diferencia las
performances del
entretenimiento
dramático
tradicional.
Las acciones
suelen implicar
complejas alegorías
de temas sociales y
políticos.

90. ME GUSTA AMÉRICA Y A AMÉRICA LE GUSTO YO
Joseph Beuys
En 1810 Goethe escribió que el color tenía una energía emocional que afecta al creación
pictórica.

91. Minimalismo
Aunque el término minimalismo no era nuevo,
adquirió fuerza en la década de 1960 para describir
un estilo artístico caracterizado por una
contención desapasionada.
1960 Actual

92. EXPONENTES
principales
Flavin
Dan
Judd
Donald
Andre
Carl
Lewitt
Sol
Morris
Robert

93. características
algunas
Originado en Nueva York, el minimalismo fue una reacción contra el
expresionismo abstracto, aunque acogió ideas de que el arte debe elaborarse
con materiales industriales modernos.
En líneas generales, los minimalistas pensaban que el arte había perdido
frescura y se había academizado.
Utilizaron materiales como ladrillos fluorescentes, para explorarlos en nuevos
contextos, sin simbolismos, significados ocultos, expresiones personales,
destrezas artísticas ni otras distracciones, alejándose de las bellas artes.
Para conservar la sensación de objetividad y anonimato, los minimalistas
solían usar proporciones matemáticas para que el público pudiera reevaluar el
arte y los espacios alrededor de las formas.
El término se empleó sobre todo para referirse a un grupo de escultores
estadounidenses que reevaluaron los espacios que los rodeaba afín de
desafiar las ideas asumidas y presentar las formas de maneras nuevas.

94. aportes
principales
La repetición
fue el común
denominador en
las obras de los
minimalistas.
Solían elaborar
disposiciones
contenidas y
uniformes formas
geométricas,
resaltando la
extrema
sobriedad.
El gran tamaño de
las obras enfatizaba
la precisión, la
compostura y la
regularidad sobre la
expresión, la
vistosidad y la
teatralidad.

95. SIN TÍTULO
Donald Judd
Elaborada con materiales industriales, esta sencilla forma rectangular colocada en el suelo impide
el paso del espectador. Este hecho alteraba de manera sutil la percepción de la obra; aunque no
era un ready-made, sí se regía por los conceptos introducidos por Duchamp.

96. Arte conceptual
Aunque se desarrolló cincuenta años después de
que Duchamp despreciase las tradiciones artísticas,
demostró que el criterio estético no siempre es
válido para juzgar el arte.
1960 Actual

97. EXPONENTES
principales
Hirst
Damien
Kosuth
Joseph
Creed
Martin
González T.
Félix
Craig-Martin
Michael

98. características
algunas
El arte conceptual nunca fue un movimiento congruente, sino un término que se
refiere a varios tipos de arte surgidos casi a al vez en Europa y Norteamérica.
Muchos artistas conceptuales trabajan muchos medios distintos, entre ellos el
performance y la land art, el videoarte y el arte povera, abandonando los
materiales y los enfoques tradicionales de coleccionar los objetos artísticos.
Autores de monumentales instalaciones temporales u otras creaciones no
convencionales, dicen que están extendiendo las limitaciones artísticas y
haciendo que el arte sea más accesible.
Manejan muchos conceptos, desde los graves e importantes hasta los triviales
y desenfadados.
Promovieron el arte de ideas, o conceptos, sugiriendo que estos pueden ser
más válidos en la actualidad que las destrezas técnicas o valores estéticos.

99. aportes
principales
En las décadas de
1960 y 1970, el
arte conceptual
fue predominante,
ya que analizaba y
reflejaba el mundo
real de forma
novedosa.
Sin un único
tema, grupo o
manifiesto, el arte
conceptual suele
ser controvertido o
político.
Hoy en día sigue
plasmándose en
performances,
escritos y, sobre
todo, en
instalaciones de
todo tipo.

100. LA IMPOSIBILIDAD FÍSICA DE LA MUERTE EN LA MENTE DE ALGUIEN VIVO
Damien Hirst
La muerte es un tema central en muchas de las obras de Hirst. Comenzó a suscitar atención
por la serie de piezas compuestas de animales muertos suspendidas en vitrinas de acero
vidrio para que pudieran ser contempladas desde distintos ángulos.
Esta es una de las imágenes más emblemáticas del arte contemporáneo y su intención era
forzar al espectador a ver algo incómodo en un contexto inesperado.

101. Bibliografía
Hodge, Susie. (2017). Breve historia del arte
(1ª. ed). Barcelona, España: Blume.
Meggs. Philip B. Alston W. Purvi. (2015).
Historia del diseño gráfico (4ª. Ed). México:
Rm Verlag.