TP de arte sobre impresionismo y sobre el arte en la dictadura

1. Arte
Actividad Numero 1:
A) En 1968 en Argentina se organiza el Primer Encuentro Nacional de Arte de Vanguardia del que
surge la idea de la experiencia del Tucumán Arde en noviembre de aquel año. Este
emprendimiento fue parte de un cuestionamiento más general al espacio institucionalizado del
arte, que unificó en la acción a artistas sindicalistas y técnicos, junto a la CGT de los Argentinos. En
sus obras expresaron aquel clima social en el que los trabajadores y estudiantes empezaban a
cuestionar en conjunto al sistema y empezaban a bullir para hacer arder el capitalismo.
Otro hito en el arte fue el “Malvenido Mister Rockefeller”, una muestra con el fin político de
repudiar la visita del presidente de la Standard Oil y gobernador de Nueva York, de la que
participaron 62 artistas plásticos. Fueron parte de un repudio generalizado en todo Latinoamérica
que llevó a toma de universidades y paros generales. Por supuesto, fue cerrada al día siguiente por
la dictadura de Onganía y los cuadros fueron destruidos, robados o desaparecidos.
La censura, la opresión por parte del Estado y luego los ataques de las bandas de la ultraderecha
peronista como la Triple A fueron generando un límite material a la estrategia por la que bregaban
los artistas hasta entonces. El planteo de la lucha simbólica por medio del arte, el arte mismo
como agente transformador, se encontró con los golpes de la política. Se quería incendiar al
sistema social pero solo a fuerza de frotar sus cimientos con imágenes estéticas y palabras. A los
artistas cada vez se les exigía por la necesidad misma de los acontecimientos que tomaran una
decisión. Al ver estos límites muchos decidieron abandonar temporal o definitivamente el arte. Ya
para el ‘76 la violencia había roto todo planteo simbólico y las opciones se redujeron a “poner el
cuerpo” para encender el fuego: entre la lucha armada o junto a los trabajadores que habían
llevado adelante el Cordobazo.
Los militares no buscaron ningún consenso, ninguna concientización: tenían las fuerzas de las
armas, de los centros clandestinos, la fuerza de las fábricas que les otorgaban los empresarios
como centros clandestinos, de los partidos políticos patronales y la complicidad de las burocracias
sindicales que armaban listas negras para ellos. En otras palabras, tenían el poder de quemar todo
a su alrededor para salvaguardar la estructura capitalista. Solo la clase obrera con sus métodos y
sus organizaciones lograron ser una amenaza para ellos. Por eso el golpe genocida tuvo como
objetivo borrar a esa vanguardia obrera que empezaba a cuestionar el régimen social, y como
parte de eso eliminar todas sus expresiones ideológicas o artísticas.
En este ámbito, la represión se expresó en la creación del Ministerio de Cultura y Educación (MCE),
un organismo de inteligencia encubierto bajo el irónico nombre de Recursos Humanos. Este
organismo llevó adelante la “Operación Claridad”, un plan secreto que consistió en perseguir y
torturar autores, en la prohibición de libros y canciones, en el cierre de editoriales y vaciamiento
de bibliotecas. El objetivo: las ideas “peligrosas” que atentaban contra los valores de "la moral, la
familia y la patria". La “claridad” nunca apareció, pero en su supuesta búsqueda dejaron 241
desaparecidos del ámbito de la cultura.
También en la música se aplicó el Operativo. 200 temas fueron “aclarados” por parte de la
Dictadura y “cantantes cuyas letras se consideran no aptas para ser difundidas por los Servicios de
Radiodifusión". Entre los clásicos, el disco "The Wall" (El Muro) de Pink Floyd, "Tie your Mother
down" (Ata a tu madre) de Queen, "Kiss me Love" (Bésame amor), de Lennon y Yoko Ono. De los
argentinos, Spinetta, Charly García, León Gieco, Sandro y en especial el rock, como estilo musical,
era sinónimo de subversión.
“Recursos humanos” también elaboró listas de aquellos que censuraron entre los actores,
escritores, músicos, periodistas, cineastas, a los que catalogaran en cuatro niveles como parte del
peligro “marxista” y a los que se recomendaba no dar ninguna colaboración. Ese documento debía

2. ser incinerado, pero se mantuvo en manos del Estado hasta que en 1996 se dio a conocer. De
entre los 331 nombres de la lista se encontraron los de Mercedes Sosa, Julio Cortázar, Eduardo
Galeano, Osvaldo Bayer, Víctor Heredia, Horacio Guarany, María Elena Walsh, Norma Aleandro,
Alfredo Alcón, y Francisco “Paco” Urondo, el escritor que fue desaparecido. 41 personas de estas
listas están desaparecidas. De los autores, Cortázar estaba en la "Fórmula 4", la gente considerada
más peligrosa. Borges estaba en la "Fórmula 1", sin "antecedentes marxistas" pero que convenía
"seguir de cerca".
Fuente: http://www.laizquierdadiario.com/Arte-y-dictadura-militar
B) La censura brutal que se ejerció en esos años me parece espeluznante. Intentaron bajo
cualquier costo el suprimir el libre advedrio, la libertad de expresión, de pensamiento. Intentaron
limitar a la gente e influenciarla a pensar lo que ellos creían correcto, lo que les convenía. Me
afecta personalmente porque, para mí, no hay nada más preciado que mi capacidad, y la de todos,
de ser quien somos, expresarnos, hablar, debatir, intercambiar ideas, y el saber que en mi país en
algún momento se intentó suprimir todo eso, se intentó encerrar a las personas en un solo
pensamiento, limitándolos, sin dejarlos expresarse con libertad por el temor a las represalias, me
parece algo horrible.
D)
Obra: Serie Milicos
Autor: Carlos Alonso.
Son una serie de dibujos en representación de los “milicos” de forma, podría decirse grotesca,
gritando, con piel verde y con expresiones exageradas.
Actividad Número 2:
A) Cuestionario.
1. Defina el término Impresionismo
La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y quiere, a grandes rasgos,
plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las
cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que las
partes inconexas dan lugar a un todo unitario. Resumiendo, este movimiento se caracteriza por el
uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a los colores que le rodean»), el hecho de
no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta
manera las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una
misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando lugar a una pintura
totalmente distinta.
2. ¿Cuándo, dónde y por qué motivos surge?
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de
las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos
a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y
directa.
3. ¿Cuáles son sus características formales? (Uso de la línea, las formas, el color, el valor, la
organización compositiva, etc.)

3. Las técnicas utilizadas en el impresionismo lo distinguen de la forma tradicional de representar
escenas en un papel. El movimiento creía en pintar una escena con colores y luces reales.
Las pinceladas distintivas son una de las principales características del arte impresionista. Los
pintores impresionistas utilizaron pinceladas rápidas, espontáneas, flojas, grandes. Esta técnica les
separaba de la pintura de estilo tradicional, que exigía pinceladas invisibles para hacer la pintura
de gran realismo. Sin embargo, las pinceladas visibles del impresionismo dan una textura a la
pintura que atrapa o representa la esencia del tema.
Las líneas del arte impresionista son a menudo borrosas, que no definen claramente un objeto de
otro en un lienzo. Tales líneas crean un efecto de niebla, añadiendo una atmósfera de
somnolencia y humor abstracto en la pintura. Los pintores impresionistas a menudo combinan
diferentes técnicas como visible, fuerte, suave, juntas como para dar una luz y efecto de sombra a
las pinturas.
Pinturas impresionistas se hicieron en general en colores separados, lo que permite a la
percepción de los espectadores mezclarlos. Los colores en las pinturas reflejan diferentes tonos
que se encuentran en el tema. Los colores utilizados por los pintores impresionistas se ven más
vibrantes debido a la técnica de pintura rápida para coger una cualidad efímera del sujeto.
4. ¿Qué temas trataba?
En lugar de temas históricos, religiosos y clásicos, estos pintores pintaron obreros, mujeres
paseando en el parque, picnics, etc. Estos temas son considerados como muy mundanos, y fueron
inmortalizados en las pinturas impresionistas.
5. Máximos exponentes y obras de los mismos.
Claude Monet y sus icónicas creaciones para el movimiento, este artista es reconocido como el
impresionista por excelencia. Tiene un especial interés por el paisaje y la incidencia de la luz a
diferentes horas. Adoraba plasmar los efectos de la niebla, el humo, los reflejos de las aguas o la
luz solar.
Su obra “Impression, Sunrise”, que sale a la luz en la Exposición de los Impresionistas de 1874,
surge el nombre del ahora popular movimiento.
Edouard Manet, símbolo de rebeldía y renovación. Fue pionero en el concepto de emplear la vida
cotidiana como tema, al igual que el gran Claude Monet. La pieza más conocida y que generó un
escándalo en la sociedad burguesa fue “Luncheon on the Grass” (el almuerzo campestre). Se
encargó de situar en pleno siglo XIX a desnudos femeninos junto a hombres. También, sobresale
por retratar a una dama de compañía junto a su criada negra, entre otras escenas de la vida
urbana.
Pierre Auguste-Renoir, el pintor de retratos, comenzó como aprendiz de pintor de porcelana, y a la
par estudiaba dibujo en sus ratos libres. Con el paso del tiempo, a base de esfuerzo se convirtió en
uno de los artistas más respetados de su época.
Sus representaciones se componen de color saturado e iluminado por la luz del sol
moteada. Si no pintaba grupos grandes, él optaba por plasmar a mujeres cuya belleza
admirada. ‘Baile en la ciudad’ pintado en 1883, refleja a una pareja disfrutando de la música.
Edgard Degas disfrutaba al máximo retratar representaciones íntimas en interiores. Era algo así
como si miraras a través de un agujero de llave.
Este interés sale a la luz en su colección de pinturas de ballet, tanto en los estudios como en el
mismo escenario.
Por otro lado, también vemos que este artista introduce nuevos temas en lo que resalta el
movimiento, por ejemplo: carreras de caballos.

4. No se limitó al mundo ‘elegante’, sino que también optó por pintar el cansancio. «Jóvenes
espartanos ejercitándose», pintando entre 1860 a 1862. Actualmente situado en la Galería
Nacional, Londres.
B) Dibujo.