Análisis e descripción del desarrollo y concepción de la corriente artística denominada "Manierismo", la cual partió del renacimiento/clasicismo y origino el barroco. Contando entre ellas escultura, la pintura y por su puesto la arquitectura.

1. Instituto Universitario Politécnico “Santiago Mariño”
Extensión Porlamar - Sede 4 de mayo
Historia de la Arquitectura II – Sección: 4.A (SAIA)
Semestre VI (2016-1)
Profesora: Arq. Elsa de la Purificación Alumno: Br. Carlos Calatayud
C. I: 24,981,859
Identificación de
Elementos Manieristas

2. En el desarrollo del Arte en Italia
se conoce como Manierismo al
estilo, fundamentalmente pictórico
que aparece a partir de 1520, año
del fallecimiento de Rafael, por lo
tanto final del periodo más anti
clasicista y academicista del Alto
Renacimiento italiano.
Perseo y Medusa
realizado por Benvenuto Cellini
(Italia 1.545-1.554)
El periodo del Manierismo se desarrolló en ambientes refinados e
intelectuales de las cortes italianas, de Venecia, Ferrara y Florencia. Se tomó
como modelo las obras de los maestros anteriores, exagerando el gesto, el
colosalísmo de Miguel Ángel, aunque no siempre consiguiendo los mismos
resultados dramáticos. Se trata de buscar la originalidad, lo sorprendente y lo
llamativo, comenzando un camino que acabará en el gusto dramático o
teatral del Barroco.
"El Manierismo fue un estilo para Cortesanos y sofisticados, manifiestamente
ingenioso y muy alejado de la natural sencillez"

3. El manierismo se distingue porque representaba contorsiones corpóreas,
expresión y psicología. Sin excluir, esta escultura se caracteriza por una gran
fuerza plástica expresada en la fuerte torsión, casi elástica, del cuerpo del
centauro Neso, doblado por la fuerza opresora del semi-dios Hércules.
Este grupo escultórico fue colocado en primer lugar (1599) en la esquina dei
Carnesecchi en Florencia; luego se trasladó al lado sur de la galería de los
Uffizi, y más tarde se colocó en la plaza que está cerca del Ponte Vecchio.
Desde 1812, se encuentra permanentemente en la Loggia dei Lanzi.
Una de las obras del estilo
manierista más importantes,
principalmente por la presencia
de dramatismo, medidas
colosales y escenas mitológicas
recreadas de manera única y
majestuosa buscando inspiración
en el detalle anatómico puesto
en practica con Buonarrotti.
Hércules y el centauro Neso
realizado por Juan de Bolonia
(Italia 1.599)

4. Con medida entre los 410 cm de altura, está realizado en un solo bloque de mármol
blanco y compuesto por tres personajes desnudos: un hombre joven que levanta por
encima de su cabeza a una mujer que parece luchar para escapar de su secuestrador,
mientras, atrapado entre las piernas del joven se encuentra un hombre viejo con
muestras de desesperación; por esto la estatua es también conocida como «las tres
edades del hombre», y nació como una demostración de virtuosismo del autor.
Las tres figuras están unidas psicológica y formalmente por sus miradas, por la
posición de sus cuerpos dando la sensación de girar en torno de un
eje central del que no pueden escapar.
Tuvo sus orígenes en las magistrales
características escultóricas como el
equilibrio estable entre la masa y el
movimiento, sentido de la grandiosidad,
facciones perfectas, gestos terribles y
la perfección anatómica de la figura la
cual se alcanzaba teniendo
conocimientos previos y estudios
realizados con tal finalidad.
El rapto de la Sabina
realizado por Juan de Bolonia
(Italia 1.581-1.582)

5. Los pintores manieristas tienen obsesión por la profundidad, para que el
espectador pueda indagar u observar a través de todos los espacios de
la pintura. La línea que predomina sería la diagonal, pero a la vez esta
línea cobrará un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras.
Podemos decir que hay dos corrientes: el manierismo académico y el
revolucionario; los métodos cambiaron también. Los académicos seguían
inspirando en la naturaleza, pero no directamente sino a través de los
grandes maestros, lo que condujo al virtuosismo.
La pintura manierista ha sido descrita
como una extensión natural del arte
de Michelangelo, Rafael y Andrea del
Sarto, así como el declive de los
logros clasicistas de dichos artistas.
En el pasado, las formas alargadas
de este estilo y formas distorsionadas
se interpretaban como una reacción o
interpretación de composiciones del
Alto Renacimiento..
Venus y Amor descubiertos por un sátiro
realizado por Alberto Allegri da Correggio
(París, Francia 1.524-1.525)

6. Es verdad que se consiguió una generación de artífices casi perfectos, pero sin
creación original. En cambio, en el manierismo revolucionario, los artistas
fueron en parte excéntricos y atormentados. Las matemáticas, la perspectiva
lineal o la relación espacio-figura fueron abandonadas. Esta corriente
combinó al naturalismo y la imaginación; el espacio fue ocupado por multitud
de figuras dentro de diferentes planos pictóricos creados en dicho período.
El personaje principal de la pintura será difícil de distinguir, pues casi todos los
presentes en ella tendrán la misma categoría, y a la vez el ojo pierde la
situación por la multiplicidad de líneas en desequilibrio.
Dentro de las características de la
pintura manierista se encuentran:
cierto misticismo y misterio en sus
figuras, perspectivas caídas,
ambientaciones irracionales,
iluminación teatral, dramatismo y
emociones faciales sumamente
dramáticas y marcadas, luz fría
poco natural y colores irracionales.
Leda con el cisne
realizado por Antonio Allegri da Correggio
(Berlín, Alemania 1.531-1.532)

7. La pintura manierista no intentaba representar la realidad de manera
naturalista, por el contrario de una manera extraña, un poco deformada, vista
como un capricho. Sin transmisión del sereno orden y equilibrio renacentista,
sino que se encontraba inclinada por representaciones anticlásicas, intrincadas
y complicadas en cuanto a sentido. Optando por posturas extrañas al
momento del modelado, desproporcionadamente, elásticas y alargadas.
En conclusión, durante este periodo histórico, las obras pictóricas resultaban
más refinadas, con perspectivas infinitas pero de difícil interpretación, debido a
su sofisticación intelectual de representación y sus contenidos en general.
Nace en referencia a aquellas
obras que se decían realizadas a la
manera de los grandes maestros
del Alto Renacimiento, imitando a
Rafael, Da Vinci y Michelangelo,
produciendo imágenes artificiosas y
hermosas. Pero a su vez esta
imitación cerrada limitaba el
intelecto y las creaciones para con
las nuevas generaciones.
Venus y Adonis
realizado por Tiziano Vecellio
(Madrid, España 1.554)

8. La arquitectura manierista fue
aquella fase de la arquitectura
renacentista que se extiende
entre el final del alto
renacimiento y el comienzo de
la arquitectura barroca.
Período comprendido a partir
de los años 1.500.
Piazza Del Campidoglio
realizado por Michelangelo Buonarrotti
(Roma, Italia 1.545-1.554)
Este periodo también fue denominado experimentalismo manierista, y dio lugar a
obras artísticas de enorme creatividad basadas en los órdenes clásicos derivados
del clasicismo, aunque ahora tratadas con cierta libertad creadora y compositiva
sin las ataduras de la sobriedad del renacimiento. Una experiencia que fue
seguida con entusiasmo por los mejores artistas del momento.
Plaza del Capitolio, alzada en la cima de la Colina Capitolina en Roma.
Fue proyectada por Michelangelo que la diseñó con todo detalle,
incluyendo la pavimentación. Su planta ligeramente trapezoidal, sobre la
que Buonarootti alineó los nuevos palacios, tenía la función de expandir la
perspectiva hacia el foco visual constituido por el Palazzo Senatorio.

9. En el desarrollo del manierismo,
la arquitectura también atravesó
ciertos cambios y modificaciones
estructurales. Considerando la
simetría a través de un eje, los
espacios longitudinales y salas
estrechas, así como la
desintegración de las relaciones
espaciales dentro de la
estructura predecesora.
Palazzo Chiericati
realizado por Andrea Palladio
(Italia 1.550-1.580)
En la arquitectura manierista, los edificios pierden claridad de composición y
solemnidad con respecto al clasicismo pleno. Dentro de los edificios se multiplican
los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función arquitectónica, y la
decoración comienza a compartimentar las fachadas de los edificios.
El palacio fue encargado a Palladio por el conde Girolamo Chiericati, de la familia
Chiericati, una de las familias más influyentes de Vicenza durante el siglo XVI.
Comenzando las obras del edificio en 1550, el trabajó continuó gracias al patrocinio de
Valerio Chiericati, (hijo y heredero de Girolamo). La fachada principal del palacio está
compuesta por tres salientes. Que tienen a su vez dos filas de columnas superpuestas, las de
abajo dóricas y las de arriba jónicas. En los laterales de cada nivel se presentan arcos que
producen galerías entre las columnas y la pared. El techo es cacetonado, presentando estatuas
sobre el como especie de complementos artísticos de la edificación.

10. En el desarrollo del Arte en
Italia se conoce como
Manierismo al estilo,
fundamentalmente pictórico que
aparece a partir del
fallecimiento de Rafael, por lo
tanto, fue el final del periodo
más clásico y academicista
del Renacimiento italiano.
Il Redentore
realizado por Andrea Palladio
(Venecia, Italia 1.577)
La Iglesia del Redentor (su nombre completo es Chiesa del Santissimo Redentore, o
Iglesia del Santísimo Redentor) es un importante edificio religioso proyectado
exclusivamente en una isla italiana llamda Giudecca.
El edificio tiene planta rectangular, con un simple transepto constituido de tres ábsides que
comunican con la gran cúpula central. De la intersección de éstos parten dos sutiles campanarios
cilíndricos, con techo en forma de cono, similares a minaretes.
La fachada de mármol blanco es uno de los más impresionantes ejemplos de inspiración clásica
que tanta fama dieron a Palladio: cuatro tímpanos triangulares y uno rectangular se cruzan entre
sí, en una contraposición de superficies lisas, de lesenas y de montantes con estatuas, ostentando
estabilidad y rigor clásico. El interior se compone de una nave única, con imponentes y
decoradas capillas laterales. Gran importancia tiene la luz, como en todas las obras palladianas,
verdadera protagonista del interior, que valoriza volúmenes y decoración.

11. San Giorgio Maggiore
realizado por Andrea Palladio
(Venecia, Italia 1.560-1.610)
Desde el punto de vista
decorativo, asume gran
importancia el tema grotesco,
un tema pictórico en tiempos
del imperio romano,
redescubierto a finales del siglo
XV, El manierismo rechazó el
equilibrio y la armonía de la
clasicismo, concentrándose en
el contraste entre norma y
transgresión, naturaleza y
artificio, signo y subsigno.
La fachada esta basílica igualmente proyectada sobre una isla, presenta forma de
templo clásico, con una sola entrada y cuatro columnas compuestas sobre altos
plintos, y entablamento por encima sosteniendo un tímpano clásico.
La solución inventada por Palladio para esta fachada es fantasiosa y es una
contribución original a la resolución de uno de los problemas más sentidos por los
arquitectos renacentistas, esto es, encontrar el modo de dotar de un aspecto inspirado
en el templo clásico a un edificio tripartito como la iglesia cristiana de tres naves.
El sereno interior de proporciones perfectas también es típico de Palladio.
el diseño es un ejemplo clásico de la arquitectura del final cíclico del alto renacimiento,
con una fachada de mármol de dos niveles con columnas altas y simétricas.
En su interior, la luz penetra por las ventanas para iluminar los arcos altos y la distribución
sencilla de mosaicos en color blanco acompañados con terracota.

12. Referencias Consultadas
WEBSITES:
Wikipedia,org
Arquinetpolis,com
Artehistoria,com
Rena,edu,ve
Escuelapedia,com
Pinterest,com