Historia del Arte en la Pintura

Para formar opinión
Para formar opinión
Revista Semestral
Núm. 20
Junio 2023
Revista Semestral
Núm. 20
Junio 2023
En la Prehistoria
Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.)
Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.)
Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.)
En la Edad Antigua
Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.)
Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.)
Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.)
Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.)
Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.)
Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.)
Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.)
En la Edad Media
Arte paleocristiano (h. s.I - IV)
Arte visigodo (h. 415 - 711)
Arte bizantino (h. 330 – 1.453)
Arte mozárabe (h. 711 - 1.000)
Arte carolingio (h. 780 - 900)
Arte otoniano (h. 950 - 1050)
Arte románico (s. XI - XIII)
Arte gótico (s. XII - XVI)
Arte mudejar (s.XII - XVI)
Historia del
Arte en la Pintura
Historia del
Arte en la Pintura

RP es una revista literaria, editada y amparada por Ediciones Tecnológicas(ET). Su objetivo es ha-
cer de cada número un objeto de interés cultural, y resulte una experiencia cultivable. La cual esta
apuntalada con notas, observaciones e Imágenes, aumentando el apego y redondeando sus temas.
En la revista incluye trabajos literarios distinguidos por sus valores culturales, e inéditos, así como
temas creativos con las más diversas extensiones inverosímiles del ingenio humano.
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AGH
E D I T O R I A L
E D I T O R I A L
La Revista Pisteyo cumple 10 años y en los números 20 y 21 se hace
una antología -de alguna forma- de los periodos de la historia del arte
conducente a la pintura, por lo tanto, son revistas con formato hetero-
géneo, pero con el mismo designio para formarse una opinión acerca
de… Así, un cambio de imagen logo. Esperamos que te atraigan y gus-
ten, Muchas Gracias por estar aquí.
La pintura es poesía muda; la poesía pintura ciega.
Leonardo Da Vinci
Artes visuales se utiliza para referirse a un
amplio espectro de obras de arte.
Esencialmente, puede significar cualquier
forma de arte que veamos.
Sin embargo, esta palabra es en realidad
un término general utilizado para definir
una variedad de disciplinas artísticas y sus
respectivas subcategorías.
La pintura es la aplicación de pigmentos
a una superficie de soporte que establece
una imagen, diseño o decoración.
En arte, el término ‘pintura’ describe tanto
el acto como el resultado. La mayoría de
las pinturas se crean con pigmentos en for-
ma líquida aplicados con un pincel.
La pintura es un arte o técnica común que
se puede utilizar para hacer que los obje-
tos se vean mejor.
Al crear una pintura, es mejor crear algo
que sea atractivo de alguna manera, como
capturar un objeto en movimiento.
Un pintor es un artista o artesano que crea
obras hechas con pintura.
Algunos se capacitan formalmente a través
de una escuela de arte o un aprendizaje,
mientras que otros optan por capacitarse a
sí mismos.
Hagamos un viaje por el tiempo para apre-
ciar este arte a través de la historia.

54
16
Historia de las artes.................................................................................. 6
Arte Prehistórico....................................................................................... 10
• Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.)............................................. 12
• Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.).................................................. 15
• Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.)........................................................ 18
Arte Edad Antigua................................................................................... 22
• Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.) ......................................................... 24
• Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.)............................................ 28
• Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.)...................................................... 32
• Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.)..................................................... 36
.
• Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.)........................................................... 40
• Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.)........................................................... 44
• Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.).................................................. 48
En la Edad Media.................................................................................... 58
• Arte paleocristiano (h. s.I - IV)............................................................ 59
•
• Arte visigodo (h. 415 - 711)................................................................ 62
•
• Arte bizantino (h. 330 – 1.453)........................................................... 65
•
• Arte mozárabe (h. 711 - 1.000).......................................................... 68
•
• Arte carolingio (h. 780 - 900).............................................................. 71
•
• Arte otoniano (h. 950 - 1050)............................................................. 74
•
• Arte románico (s. XI - XIII).................................................................. 77
•
• Arte gótico (s. XII - XVI)....................................................................... 80
•
• Arte mudejar (s.XII - XVI)................................................................... 83
Referencias.............................................................................................. 87
PistiCarton................................................................................................ 86
....................................................................................................... 23
....................................................................................................... 53

Historia de las artes
Esta disciplina que tiene como objeto de es-
tudio el arte en su desarrollo y evolución a lo
largo de la historia de la humanidad. las dis-
ciplinas artísticas, son solamente de las artes
superiores llamadas también como las bellas
artes (pintura, escultura, arquitectura, música,
danza, literatura), excluyendo las artes llama-
das menores o artes aplicadas, como (artesa-
nía, el diseño y la composición).
El origen de las artes es incierto e implica no
solo la estética sino también la conciencia de
la creación de una obra de arte.
Algunos historiadores del arte han definido la
cuna del nacimiento del arte en la Cueva de
Chauvet, donde se encuentra la pintura rupes-
tre más antigua descubierta, que data de hace
aproximadamente 30.000 años atrás.
Posteriormente, los historiadores clasifican el
arte por períodos, que a su vez se dividen en
estilos y en la actualidad se conoce el arte por
escuelas y corrientes artísticas.
En este sentido, el arte rupestre sería la prime-
ra forma de arte.
Luego, existen las artes surgidas de las anti-
guas civilizaciones antes de la caída del impe-
rio romano (476 a. C.) como el arte en Egip-
to, India, Persia, Armenia, China, la Antigua
Grecia y la Antigua Roma. Desde el siglo V, cuando
empieza la Edad Media los estilos y sus influencias
son más definidos como se expone cuadro anterior.

De este modo, la historia del arte no solo estudia
las distintas manifestaciones artísticas, sino que
establece periodizaciones (prehistórico, antiguo,
clásico, medieval, moderno, contemporáneo), cla-
sifica estilos (gótico, barroco, neoclásico, etc.), y
delimita movimientos, tendencias y escuelas (ro-
manticismo, simbolismo, expresionismo, dadaís-
mo, surrealismo, etc.).
Las Bellas artes
El francés Charles Batteux (1713-1780) fue uno
de los primeros en tratar de clasificar las bellas
artes en su trabajo titulado Les Beaux-Arts réduits
à un même principe (“Las bellas artes reducidas
a un mismo principio”), publicado en 1746. En di-
cho texto plantea la unificación de las artes bajo el
concepto de belleza y buen gusto.
No obstante, ya desde la Antigua Grecia se es-
tablecía una separación entre las distintas artes
existentes. Consideremos, desde luego, que para
aquel entonces el término arte hacía referencia,
en un sentido general, al conjunto de los oficios,
desde el escultor hasta el talabartero.
En este sentido, los griegos establecieron una
distinción entre las artes que impresionaban a los
sentidos más elevados, como el oído y la vista, y
les asignaron el nombre de artes superiores o lo
que hoy denominamos bellas artes.
Por otro lado, aquellas artes que se dirigían a los
sentidos menores, como el tacto, el gusto o el olfa-
to, fueron designadas como artes menores, entre
las cuales incluían la perfumería, la gastronomía,
la carpintería, entre otras.
Qué son las Bellas artes:
Como bellas artes se denomina el conjunto de
manifestaciones artísticas de naturaleza creativa
y con valor estético.
Las bellas artes se agrupan actualmente en 7 dis-
ciplinas, entre las cuales se encuentran la pintura,
la escultura, la literatura, la danza, la música, la
arquitectura y, desde el siglo XX, se incluye el cine
como el séptimo arte.
El concepto de bellas artes, data del siglo XVIII,
se utilizaba para denominar el conjunto de artes.
Actualmente, es una disciplina de estudio que
combina conocimientos de historia y teoría del
arte, restauración, conservación, museística, crí-
tica artística y técnicas de las artes.
Es una carrera que se estudia en diversas univer-
sidades del mundo donde se adquiere el grado de
licenciado en bellas artes.
La pintura
Es la expresión más antigua de las bellas artes.
A través de los siglos, este tipo de obras de arte
han generado movimientos o corrientes artísticas
que han ido redefiniendo valores estéticos según
la contingencia del momento.
Es una manifestación artística de carácter visual
que se sirve de un conjunto de técnicas y materia-
les para plasmar, sobre una superficie determina-
da, una composición gráfica según ciertos valores
estéticos.
La pintura conjuga elementos de la representación
plástica como las formas, los colores, las texturas,
la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz y el
movimiento. De esta manera, busca transmitir al
espectador una experiencia estética.
En este sentido, la estética se refiere a la per-
cepción del arte por los sentidos y cada pintura
manifiesta los valores estéticos del artista pintor,
evocando emociones, conceptos, ideas, e innu-
merables interpretaciones en un sentido social,
psicológico, conceptos cultural, político o religio-
so.
Como técnica o disciplina, la pintura consiste en
aplicar sobre una superficie determinada (tela,
papel, madera, cerámica, metal) una serie de pig-
mentos para componer con formas, colores y tex-
turas el sentir del artista.
Las pinturas pueden clasificarse de diferentes for-
mas según temas, períodos históricos, corrientes
artísticas y materiales o técnicas. Las pinturas ar-
tísticas pueden ser referidas por el tipo de tema

que abarca, pudiendo estas ser sobre temas his-
tóricos, religiosos, paisajísticos, abstractos, con-
ceptuales, de naturaleza muerta, de desnudos o
sobre críticas sociales.
¿Qué es la pintura?
Cuando hablamos de pintura o de artes pictóri-
cas nos referimos a una forma artística que busca
representar la realidad gráficamente, empleando
para ello formas y colores sobre una superficie, a
partir de pigmentos naturales y sintéticos mezcla-
dos con sustancias aglutinantes (pinturas).
Se trata de una de las Bellas Artes de la humani-
dad, junto con la literatura, la escultura, la música,
la danza, la arquitectura, el cine, la fotografía y
la historieta. Y es probablemente una de las más
antiguas que se conocen.
La pintura inicia como técnica de expresión hu-
mana hace 32.000 años, con las primeras pintu-
ras rupestres en las paredes de las cavernas que
habitaba el hombre primitivo. Empleaba para ello
sangre y otras sustancias, que en lo sucesivo se-
rían reemplazadas paulatinamente por aceites y
pigmentos.
Sus principales focos fueron, durante su histo-
ria, el paisaje, el desnudo humano, la naturaleza
muerta (o bodegón) y finalmente, el abstraccionis-
mo.
La pintura acompañó los lugares ceremoniales y
funerarios de las civilizaciones antiguas, como los
túmulos funerarios egipcios, los templos romanos
o las catacumbas cristianas paleocristianas.
Las técnicas de pintura son los métodos usados
para fijar los pigmentos en la superficie del sopor-
te. Algunas de las más populares son:
Óleo. Empleando aceites y un disolvente llama-
do trementina, se elabora una pasta pigmentada,
viscosa y de origen vegetal, con que se pueden
adherir los colores al lienzo, empleando pinceles
u otras herramientas. Al secar, los colores quedan
fijos a la superficie.
Cera. Se pinta la superficie con ceras calientes,
que contienen pigmentos aglutinados, aplicadas
mediante pincel o espátula. Finalmente, se le apli-
ca un trapo de lino sobre una capa de cera sin
pigmento a modo de protección y pulido.
Acuarela. Consiste en el uso de colores dilui-
dos en agua, de consistencia transparente, que se
aplican sobre papel o cartulina con pinceles. Con
esto se logra una mayor soltura y brillantez, pero
requiere de trazos libres e imprecisos.
Témpera. Llamada también gouache, es un ma-
terial semejante a la acuarela, pero con una car-
ga de talco industrial o blanco de zinc, que aporta
al pigmento una tonalidad opaca y no traslúcida,
ideal para aplicar capas claras sobre otras oscu-
ras y jugar con la luz representada.
Acrílico. Se llama así a una pintura de seca-
do rápido, cuyos pigmentos se sostienen en una
emulsión de acrílico (cola vinílica) y aunque son
solubles en agua, al secarse son sumamente re-
sistentes.
Tinta. Conocida como “tinta china”, se usa sobre
papel y sobre todo en tonos negros o sepia, usan-
do una pluma o plumín. Es muy frecuente en el
arte oriental, sobre todo en su caligrafía pictórica.
Pastel. Se usan barras de colores fabricadas a
partir de pigmentos en polvo diluidos en goma o
resina hasta formar una pasta compacta y seca.
No se necesitan herramientas para su uso, sino
directamente se sujetan con la mano.
“La cultura es una élite, pero una élite a la que todo el mundo puede pertenecer”
Alberto Manguel.

A veces hay que estropear un poquito el cuadro para poder terminarlo.
Eugène Delacroix
Arte Prehistórico
• Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.)
• Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.)
• Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.)
Introduccion.
El arte prehistórico podría definirse como el arte
creado por personas en una época en la que
aún no se había desarrollado ninguna forma de
lenguaje escrito.
El tiempo en el que varias culturas a lo largo de
la historia humana comenzaron a desarrollar sus
sistemas lingüísticos únicos varía mucho de una
región a otra.
Antes de dejar a los historiadores un registro es-
crito de los eventos diarios, los artistas prehistóri-
cos dejaron un tesoro de información a través de
sus artefactos y dibujos prehistóricos.
Los artistas prehistóricos registraron sus experien-
cias diarias en medios que han logrado superar
siglos de dura exposición a condiciones ambien-
tales cambiantes, lo que nos brinda información
detallada sobre cómo era la vida en los primeros
días de nuestra especie antes del desarrollo de
una forma escrita de comunicación.
Hace unos 500 000 años, uno de nuestros pri-
meros antepasados tomó un diente de tiburón y
grabó un patrón en zigzag en la superficie de una
concha marina.
Aunque se desconoce el motivo de su creación,
se considera que es el ejemplo de arte más an-
tiguo que existe. Veamos los diversos períodos
durante los cuales el arte comenzó a surgir por
primera vez en la historia del arte prehistórico.
Características del arte prehistórico más importantes
Aunque el arte prehistórico presenta periodos diversos
y numerosas creaciones artísticas en diferentes y dis-
tantes puntos del mundo, sí que presenta una serie
de características importantes y comunes que aportan
una unidad de estilo. Así, entre las principales caracte-
rísticas de este tipo arte se destacan:
• Tendencia al esquematismo
• Simbolismo
• Abstracción
• Tienen una finalidad ritual o mítica y religiosa que
va más allá de lo estético.

Las primeras formas de arte prehistórico son extre-
madamente primitivas. La cúpula, por ejemplo, un tipo
misterioso de marca cultural paleolítica no es más que
un fregado hemisférico o en forma de copa de la su-
perficie de la roca.
Las primeras esculturas conocidas como las Venus
de Tan-Tan y Berekhat Ram son representaciones tan
crudas de formas humanoides que algunos expertos
dudan de que sean obras de arte.
No es hasta el Paleolítico Superior (desde aproxima-
damente el 40.000 a. C. en adelante) que el hombre
anatómicamente moderno produce tallas e imágenes
reconocibles.
La cultura auriñaciense, en particular, es testigo de
una explosión de arte rupestre, incluido Las pinturas
rupestres de El Castillo, los murales rupestres mono-
cromáticos de Chauvet, el Hombre León de Hohlens-
tein-Stadel, la Venus de Hohle Fels, las tallas de ani-
males del Jura de Suabia, el arte rupestre aborigen de
Australia y mucho más.
Las culturas tardías gravetiense y magdaleniense die-
ron origen a versiones aún más sofisticadas del arte
prehistórico, en particular los caballos moteados poli-
cromados de Pech-Merle y las sensacionales pinturas
rupestres de Lascaux y Altamira.
Cúpulas prehistóricas
El fenómeno cultural más anti-
guo, que se encuentra en todo
el mundo prehistórico, la cúpula
sigue siendo uno de los tipos de
arte rupestre menos comprendi-
dos.
La denominada Venus de Bere-
jat Ram (o Berekhat Ram) es una
posible figura antropomorfa de
apenas 3,5 cm de longitud, apa-
rentemente elaborada en roca
volcánica rojiza en parte desgas-
tada por la erosión, en parte con
incisiones artificiales.
La cueva de El Castillo, en Can-
tabria, tiene pinturas rupestres
de por lo menos 40.800 años
de antigüedad, lo que las si-
túa como las más antiguas del
mundo
El hombre león es una escultura en marfil
de mamut de 31,1 centímetros de altura
que data del paleolítico superior, siendo
una de las esculturas más antiguas co-
nocidas hoy en día. Su nombre se debe
a que representa un ser humano con ca-
beza de león.

Arte paleolítico
Las técnicas del arte paleolítico eran muy sencillas. Se hacían con pinceles,
trozos de carbón, trozos de hueso o con los dedos. Los colores eran muy
básicos y por lo general se usaba sólo uno, aunque también utilizaron dos o
tres en escenas de caza para representar movimiento o sombras.
• Arte paleolítico (h. 40.000 – 10.000 a.C.)
Pintura: Se usaban uno o dos colores que se ob-
tenían con pigmentos minerales (manganeso para
el negro, ocre para el rojo o el amarillo...) u or-
gánicos (carbón, también para el negro), con un
aglutinante orgánico (resina o grasa) o disueltos
en agua; se podían simular realces más claros
raspando la roca. Los colores se untaban directa-
mente con los dedos, también se podía escupir la
pintura sobre la roca (como un aerosol bucal); en
ocasiones, se usaron «lápices» (ramas quemadas
con las que se tiznaba la pared y bolas de colo-
rante mineral aglutinadas con resina) o pinceles
rudimentarios (escobillas y estropajos de fibras
vegetales o animales). A veces se aprovechaban
bultos y hendiduras de la pared para dar la sensa-
ción de volumen.
Temática
Los temas preferidos eran animales (sobre todo
toros, bisontes y caballos; aunque menos nume-
rosos, también hay ciervos, osos, cabras, etc.). No
obstante, debe olvidarse la imagen trillada que se
tiene del arte paleolítico, de temática monótona y
casi exclusivamente animalística. Evidentemente
predominan los temas faunísticos, pero hay otras
muchas escenas sorprendentemente elaboradas
y excepcionalmente intrigantes.
Asimismo, son muy numerosos los signos enig-
máticos, algunos de ellos fácilmente identificables
(como las manos impresas o los órganos sexua-
les masculinos y femeninos), y otros más abstrac-
tos llamados ideomorfos. (Se considera como un
tema ideomorfo o signo cualquier forma geomé-
trica o abstracta sin una conexión posible con un
sujeto real.)
La palabra Paleolítico proviene del griego y sig-
nifica” piedra antigua”. Hace referencia al perío-
do del desarrollo humano de la Edad de Piedra
antigua que antecedió al Mesolítico (que también
corresponde a la Edad de Piedra, pero a la etapa
media). La tercera y última etapa de esta Era de
Piedra fue el período Neolítico.
Solo había dos tipos de arte: portátil o estaciona-
rio, y ambas formas tenían un alcance limitado.
El arte portátil durante el Paleolítico Superior era
necesariamente pequeño (para ser portátil) y
consistía en figurillas u objetos decorados. Estas
cosas fueron talladas (de piedra, hueso o asta)
o modeladas con arcilla. La mayor parte del arte
portátil de esta época era figurativo, lo que sig-
nifica que representaba algo reconocible, ya sea
en forma animal o humana. Las figurillas a me-
nudo se denominan con el nombre colectivo de
“Venus”, ya que son inequívocamente mujeres de
constitución fértil.
El arte estacionario era solo eso: no se movía. Los
mejores ejemplos existen en pinturas rupestres
(ahora famosas) en Europa occidental, creadas
durante el período Paleolítico. Las pinturas se fa-
bricaban a partir de combinaciones de minerales,
ocres, harina de huesos quemados y carbón mez-
clado con agua, sangre, grasas animales y savia
de árboles.
Los expertos suponen (y es solo una suposición)
que estas pinturas tenían algún tipo de propósito
ritual o mágico, ya que están ubicadas lejos de
las bocas de las cuevas donde se desarrollaba la
vida cotidiana. Las pinturas rupestres contienen
mucho más arte no figurativo, lo que significa que
muchos elementos son más simbólicos que realis-
tas. La clara excepción, aquí, está en la represen-
tación de animales, que son vívidamente realistas

(los humanos, por otro lado, están completamente
ausentes o son figuras de palo).
El arte más antiguo: la ornamentación
El Homo sapiens hacen arte.
Se han encontrado ornamentaciones extremada-
mente antiguas y no representativas en toda Áfri-
ca.
El ejemplo más antiguo con fecha firme es una
colección de conchas de caracol Nassarius de
82.000 años encontradas en Marruecos que están
perforadas y cubiertas con ocre rojo. Los patro-
nes de desgaste sugieren que pueden haber sido
cuentas ensartadas.
Las cuentas de conchas de Nassarius encontra-
das en Israel pueden tener más de 100 000 años
y en la cueva de Blombos en Sudáfrica, se han
encontrado conchas perforadas y pequeños tro-
zos de ocre (hematita roja) grabados con patrones
geométricos simples en una capa de 75 000 años
de antigüedad. sedimento.
El arte figurativo más antiguo.
Algunas de las imágenes de representación más
antiguas conocidas provienen de la cultura auriña-
ciense del período Paleolítico superior.
Los descubrimientos arqueológicos en una amplia
franja de Europa (especialmente el sur de Fran-
cia, el norte de España y Suabia, en Alemania) in-
cluyen más de doscientas cuevas con espectacu-
lares pinturas, dibujos y esculturas auriñacienses
que se encuentran entre los primeros ejemplos
indiscutibles de creación de imágenes figurativas.
Entre los más antiguos se encuentra una figura
femenina de 2,4 pulgadas de alto tallada en marfil
de mamut que se encontró en seis fragmentos en
la cueva Hohle Fels cerca de Schelklingen en el
sur de Alemania. Data del 35.000 a.C.
Las cuevas
Las cuevas de Chauvet-Pont-
d’Arc, Lascaux, Pech Merle y
Altamira contienen los ejemplos
más conocidos de pintura y dibu-
jo prehistóricos. Aquí hay repre-
sentaciones notablemente evo-
cadoras de animales y algunos
humanos que emplean una mezcla compleja de
naturalismo y abstracción.
Los arqueólogos que estudian a los humanos de
la era paleolítica creen que las pinturas descubier-
tas en 1994, en la cueva de Chauvet-Pont-d’Arc
en el valle de Ardéche en Francia, tienen más de
30.000 años.
Las imágenes encontradas en Lascaux y Altamira
son más recientes y datan de aproximadamente
15 000 a. C. Las pinturas de Pech Merle datan de
25 000 y 15 000 a. C. La pintura rupestre conocida
más antigua del mundo se encontró en Sulawesi,
Indonesia, en 2017 y se realizó hace al menos 45
500 años.

Caballos moteados policroma-
dos de Pech-Merle
Escena del pozo de Lascaux.
Vaca saltando de Lascaux.
Caballito chino de Lascaux.
Pinturas de la gruta de Rouffig-
nac con representación de ma-
muts (según Ripoll).

Arte mesolítico
Se entiende por arte mesolítico todas las manifestaciones artísti-
cas desarrolladas en el periodo prehistórico comprendido desde
el Paleolítico Superior hasta el Neolítico. La duración del periodo
Mesolítico coincide con el final de la Era Glacial del Pleistoceno
• Arte mesolítico (h. 10.000 – 4000 a.C.)
Al terminar el Paleolítico Superior también desapa-
recieron con él sus espléndidas manifestaciones
artísticas, apareciendo otras nuevas, influencia-
das, inevitablemente, por los cambiantes factores
climáticos y los nuevos hábitos socioeconómicos.
El problema de este nuevo arte postpaleolítico es
que resulta muy difícil de datar y los investigado-
res no se ponen de acuerdo acerca de su perio-
dización.
Unos opinan que representaciones como las del
arte naturalista levantino son ya del Neolítico ini-
cial, otros que es anterior.
De cualquier manera, el arte no desapareció y lo
seguimos encontrando en abrigos rocosos (arte
parietal) y en objetos personales (arte mueble).
El arte se volvió conceptual y racionalista, basado
en lo geométrico y lo abstracto.
La cultura aziliense de la cornisa cantábrica y del
Pirineo francés nos ha deparado abundantes can-
tos rodados decorados con seriaciones de ban-
das, puntos, ramiformes, etc., de carácter abstrac-
to, y a los que se les otorga un significado mágico/
simbólico. La cultura natufiense destaca, entre
otras cosas, por sus características representa-
ciones de animales en morteros de mano, man-
gos de hoz o cuchillos, o sea, por su arte mueble.
En Sierra Morena (Andalucía) se han encontrado
figuras antropomórficas y teriomórficas (especial-
mente de cabras montesas y ciervos) muy esque-
matizadas, junto a signos del tipo de círculos, pun-
tos, soles, ondulaciones.
Otras representaciones importantes se han des-
cubierto en Alpera (Albacete), Cogul (Lérida), Ba-
rranco de los Gascones (Teruel), Villar del Humo
(Cuenca) o Barranco de Gazulla (Castellón)
La palabra “Mesolítico” proviene de “Meso” (que
significa “entre”) y “Lithos” (cuyo significado es
“piedra”). Por lo tanto, el período Mesolítico tam-
bién es conocido como la “Edad Media de la Pie-
dra”.
Se entiende por arte mesolítico todas las mani-
festaciones artísticas desarrolladas en el periodo
prehistórico comprendido desde el Paleolítico Su-
perior hasta el Neolítico.
La duración del periodo Mesolítico coincide con el
final de la Era Glacial del Pleistoceno. Este perio-
do está comprendido entre el año 10.000 a.C. al
5.000 a.C.
Durante esta etapa se aprecia un cambio climáti-
co progresivo de temperaturas más altas, esto re-
percute en la inundación de las zonas costeras lo
que supone la desaparición de algunas especies
animales y un crecimiento de las zonas boscosas.
Las muestras de Arte Mesolítico se han localiza-
do en muchos lugares: Asia, África, Australia, las
Américas y Europa, pero el grupo más numerosos
de estas muestras se encuentras localizadas en
España.
El estudio del arte durante la época Mesolítica se
ha centrado principalmente en los yacimientos eu-
ropeos, siendo los principales:

•El arte rupestre escandinavo del norte de Europa.
•La cultura aziliense de la cornisa cantábrica y
del Pirineo francés (se han encontrado numero-
sos cantos rodados decorados con seriaciones de
bandas, puntos, ramiformes, etc.,).
•La cultura natufiense (Se da entre10.800 a.C. y
8.300 a.C., se extiende por toda la zona del Próxi-
mo Oriente, desde Éufrates hasta Egipto y los de-
siertos situados al sur) destaca por su arte mue-
ble (representaciones de animales en mortero de
mano, mangos de hoz, cuchillos, etc.,).
•El arte Levantino (situado en la cuenca del Medi-
terráneo occidental) destaca por el arte rupestre,
no solo en cuevas, ya que, debido al cambio cli-
mático, el arte levantino también se encuentra en
espacios abiertos, como abrigos rocosos (protegi-
dos por una cornisa natural). Debido a su ubica-
ción estas pinturas y yacimientos se encuentran
en un mal estado de conservación.
La pintura en el mesolítico
No todas las pinturas del periodo mesolítico se
encuentran en los abrigos rocoso (arte parietal),
sino que una parte importante, también se puede
encontrar pinturas en las cavernas, un ejemplo de
las pinturas en cuevas del Mesolítico se encuentra
en la Cueva de las Manos, en el valle del Rio Pin-
tura, Patagonia, Argentina.
El arte se vuelve más racional, se basa en lo
geométrico y lo abstracto, la figura humana con-
tinúa siendo escasa en las pinturas, pero sí se
representaban batallas y escenas bélicas, estas
pinturas eran pintadas sobre pieles, que se utiliza-
ban como abrigos.
Eran frecuente las representaciones de grupos
humanos ocupados en la caza, bailes y varios ri-
tos, así como representados realizando activida-
des del día a día.
Las técnicas de pintura variaban dependiendo de
las herramientas empleadas, como, por ejemplo,
plumas, cañas, almohadillas ...
El uso de color es bastante restringido limitándose
al rojo (ocre, manganeso, siena, ocre oscuro...).
Microlitos (trapecios)
y flecha mesolítica
procedente de la tur-
bera de Tværmose
(Dinamarca).

Danza Fáli-
ca, cueva de
Cogull, Llei-
da (España)
Cuevas de las Manos, Patagonia,
Argentina
Tectiformes. Altamira.
Pinturarupestre monocromática,
esquematizada y en movimien-
to característica del Mesolítico.
Racó de Nando / Benassal
“Shigir Idol”, museo Yekaterin

Arte neolítico
Como arte neolítico se denomina aquel desarrollado por el hombre prehistóri-
co en el periodo que comprende la última etapa de la Edad de Piedra, es decir,
entre el año 7.000 a. de C. y 2.000 a. de C. Comprende la pintura, la cerámica,
la escultura y los monumentos megalíticos.
• Arte neolítico (h. 4000 – 2000 a.C.)
El arte neolítico (‘arte en la nueva edad de pie-
dra’) —por contraposición al Paleolítico (‘antigua
edad de piedra’)— que se produjo en uno de los
períodos en que se considera dividida la Edad de
Piedra.
El término neolítico fue acuñado por John Lubbock
en su obra de 1865 que lleva por título Prehis-to-
ric Times. La palabra proviene del griego νέος,
néos: ‘nuevo’; λίθος, líthos: ‘piedra’. Inicialmente
se le dio este nombre debido a los hallazgos de
herramientas de piedra pulimentada que parecían
acompañar al desarrollo y expansión de la agricul-
tura. Hoy día se define el Neolítico precisamente
debido al conocimiento y uso de la agricultura o
de la ganadería. Normalmente, pero no necesa-
riamente.
Características
El estilo del neolítico, abierto a las sensaciones y
a la experiencia, se transforma en una intención
artística geométricamente estilizada, cerrada a la
riqueza de la realidad empírica.
En lugar de las minuciosas representaciones fie-
les a la naturaleza, plenas de cariño y paciencia
para los detalles del modelo correspondiente, en-
contramos por todas partes signos ideográficos,
esquemáticos y convencionales, que indican más
que reproducen el objeto.
El arte neolítico tiende ahora a fijar la idea, el con-
cepto, la sustancia de las cosas, es decir a crear
símbolos en lugar de imágenes.
(más específicamente en la Edad de los Metales),
se conservan grandes monumentos megalíticos,
entre ellos:
Los menhires: monolitos verticales ocasional-
mente antropomorfos, para marcar territorio.
Los dolmenes: sepulturas construidas con dos
o más piedras verticales cubiertas por una losa
horizontal.
Los crómlechs: conjuntos de menhires de forma
circular, observatorios astronómicos vinculados al
culto del sol. El más famoso se encuentra en In-
glaterra (Stonehenge)
En la península ibérica se desarrolló en este pe-
ríodo un estilo de pintura rupestre en la zona le-
vantina basado en la pintura de escenas de caza
en rocas al aire libre, con representaciones es-
quemáticas de figuras humanas.
El arte mesopotámico es una división cronológi-
ca y geográfica de la historia del arte que trata
de Mesopotamia durante la edad Antigua. Hace
referencia a las expresiones artísticas de las cul-
turas que nacieron en las riberas de los ríos Tigris
y Éufrates.
Características y economía de las sociedades del
Mesolítico
El hombre del Mesolítico sigue siendo mayormen-
te nómada con alojamientos de invierno y de vera-
no. La subida de la temperatura permite que pase
de vivir en cuevas a construir las primeras chozas
en abrigos rocosos.
En ciertas regiones costeras con abundante ali-
mento durante todo el año se establecen asenta-
mientos más sedentarios.

El aumento de las zonas boscosas da lugar a una
mayor producción de vegetales que junto a la mi-
gración o desaparición de ciertas especies ani-
males provoca varios cambios con respecto a las
sociedades del Paleolítico Superior:
Economía que combina la recolección de produc-
tos vegetales y la caza de animales más pequeño
(incluido el desarrollo de la pesca).
Alimentación más variada.
Producción de nuevos utensilios líticos especiali-
zados.
Resumen.
Arte neolítico es el nombre por el que se conocen
las expresiones artísticas realizadas durante este
período de la prehistoria.
Entre ellas destacan pinturas, esculturas y monu-
mentos arquitec-tónicos en los que la figura huma-
na ganó importancia, desplazando a los animales
como temática principal de las obras.
Esta etapa de la Edad de Piedra se caracterizó
por una mudanza en la forma de vida de los seres
humanos, como consecuencia del cambio climáti-
co, el sedentarismo y el desarrollo de la agricultu-
ra y la ganadería.
Todo ello se vio reflejado en el arte, donde las pin-
turas se volvieron más estilizadas, la cerámica ad-
quirió un estilo más refinado y la construcción de
estatuillas tuvo un auge importante.
En la arquitectura, por su parte, sobresalieron los
levantamientos de megalitos, una serie de estruc-
turas realizadas con varios bloques de piedra sin
labrar, de gran tamaño.
Se cree que los mismos tenían un uso funerario
y que también servían para fines religiosos, con-
memorativos, astronómicos o para marcar un te-
rritorio.
En el arte neolítico aparecen ele-
mentos de la naturaleza asociados
a la fertilidad y la representación
de la madre tierra como una diosa
relacionada con la agricultura.
En las pinturas de este período
el cuerpo humano ocupa un lugar
destacado, aunque también aparecen animales.
Los diseños son muy primitivos y las figuras están
más estilizadas.
En cuanto al color, la mayoría de las obras son
monocromáticas, con preponderancia del rojo y
del negro. Los trazos suelen ser gruesos y abun-
dan las formas esquemáticas, siendo más simbó-
licas que naturistas.
El Neolítico se originó en el Próximo Oriente, en
un lugar entre los ríos Tigris y Eúfrates, denomi-
nado Mesopotamia. El término Mesopotamia sig-
nifica en griego “Entre ríos”. Posteriormente se
extendió por otras partes del planeta.

El arte neolítico destaca por
abarcar una amplia variedad
de temas y por tener al hombre
como figura central
Pintura rupestre de la edad de
piedra, Cueva Magura en Bul-
garia
Pintura rupestre esquematiza-
da. Gua Tambun, Malasia
Mujer en un árbol que saca la
miel del panal y a su alrededor
“abejas” queriendo picarla.
Grupo de guerreros pinta-
dos o cazadores, neolítico en
Arakokem rockart, Adrar, Te-
kemberet Immidir, Argelia, Sá-
hara Occidental, Norte de Áfri-
ca

Si yo pinto a mi perro con exactitud como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte.
Goethe
Arte Edad Antigua
• Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.)
• Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.)
• Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.)
• Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.)
• Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.)
• Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.)
• Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.)
L
a historia del arte antiguo es la división de la
historia del arte que se centra en su estudio
e interpretación formal, técnica, estructural,
e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su
explicación histórica; aunque la arqueología es la
ciencia histórica cuyo objeto es la cultura material
de la que las obras de arte son la manifestación
más valiosa, y es la encargada de su descubri-
miento y análisis contextual.
Su delimitación cronológica va desde el comien-
zo de la Historia (aproximadamente el IV milenio
a. C. en Próximo Oriente y Egipto) hasta la caída
del Imperio romano de Occidente (siglo V). La ex-
tensión geográfica del desarrollo de las primeras
civilizaciones –definidas por la aparición de la es-
critura y el poder político y religioso– impone dón-
de pueden localizarse (civilizaciones mediterrá-
neas, de la India, de Extremo Oriente, de América
Precolombina y del resto de Europa y de África) y
cuándo puede hablarse en cada una de un perio-
do histórico (Historia) o de un periodo prehistórico
(Prehistoria), que determinaría que su producción
artística fuese objeto de la historia del arte prehis-
tórico; aunque realmente la metodología para su
estudio es en gran parte común, hay una diferen-
cia fundamental, y es la posibilidad de utilizar las
fuentes escritas para los periodos históricos.
Este recurso es insustituible, puesto que no sólo
permite la identificación en su caso de los autores
o patrocinadores de la obra artística y reconstruir
el contexto en el que se produjo, sino que posibi-
lita la interpretación del Arte en su relación con la
producción intelectual en otros ámbitos del pensa-
miento, sobre todo la religión y la filosofía.
De esta manera se puede efectuar una lectura del
arte que lo entienda a través la visión del mundo
(Weltanschauung) o ideología dominante en épo-
cas y lugares tan lejanos a nosotros como las civi-
lizaciones de la Edad Antigua, y del que el Arte es
la plasmación material y visual.
Al contrario que la civilización occidental, las civi-
lizaciones africanas, extremo-orientales y ameri-
canas no experimentaron la marcada discontinui-
dad que el arte occidental presenta entre el arte
antiguo y el arte medieval; con lo que este último

concepto no suele aplicarse a es-
tas civilizaciones.
Características del arte
Es un conjunto de actividades ar-
tísticas. A lo largo de la historia las
artes se han clasificado en varios
tipos. ...
•Es un lenguaje. ...
•Es una actividad creativa. ...
•Es dinámico. ...
•Es subjetivo. ...
•Es indefinible. ...
•Es una manifestación cultural. ...
•No tiene una utilidad intrínseca.
Existen otras formas de arte como
son las artes menores, las artes
efímeras o las artes suntuarias que
estaban dentro del arte antiguo.
Estas formas a partir del siglo XX
se les denominaron diseño, pero
en la edad antigua podíamos en-
contrarlas con sus propios nom-
bres, es decir, artesanías, artes y
oficios, artes aplicadas
La evolución e innovaciones en el
arte de las civilizaciones antiguas
es consecuencia del trabajo de
búsqueda de innumerables artis-
tas que al elaborar nuevas solucio-
nes formales fueron conformando
avances y cambios en el arte de
su tiempo.
La pintura sobre tabla
o simplemente tabla es aquella obra que
utiliza la madera como soporte pictórico,
no haciéndose distinción en cuanto a la
técnica utilizada (óleo o temple, principal-
mente).
La tabla puede presentarse sobre made-
ras enmarcadas, consiguiendo una apa-
riencia similar a una pintura sobre lienzo,
o bien sobre piezas que dan formas a dis-
tintos tipos de mobiliarios, los que pueden
ir desde cofres, sarcófagos o altares, has-
ta una diversidad de objetos de uso coti-
diano.
Los sarcófagos egipcios que datan del año
2000 a. C. se encuentran en numerosas
ocasiones pintados, generalmente a la en-
cáustica. Del Egipto romano destacan los
famosos retratos de El Fayum, de carácter
funerario, que datan de los siglos II a IV.
No obstante, fue en la Edad Media cuando se difundió la pintura so-
bre tabla y alcanzó su máximo esplendor. En la época románica se
pintaron diversas piezas de mobiliario ejecutadas en madera, como
baldaquinos o frontales.
La madera que más se ha usado históricamente es la de nogal,
pino o abeto, si bien era algo que dependía de la región donde se
viviera y de las especies arbóreas que estuvieran disponibles en
abundancia, pues en Italia se usaba chopo, y en el Norte de Euro-
pa, roble, haya o pino. Otros tableros de madera dura que se usan
como soporte pictórico son los de especies como el abedul, el cedro
o el álamo blanco.
Durante la Edad Moderna se recurrió a maderas tropicales duras
como la caoba.
Pintura sobre tabla de
la antigüedad: Retrato
fúnebre de época
romana en El Fayum.

Arte egipcio (h. 5300 - 30 a.C.)
Se trata de un arte aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión
fundamentalmente, y a ésta está vinculado el faraón. No es por tanto un arte
autónomo. El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es
muy semejante y monótono, tan homogéneo.
Busto de Nefertiti del escultor Tutmose, del año: 1345 a. C., Museo Egipcio de Berlín.
E
l arte egipcio antiguo es la pintura, la escul-
tura y la arquitectura producida por la civili-
zación en el valle del Nilo desde el 5000 a.
C. hasta el 300 d. C.
En el Antiguo Egipto, la Edad del Bronce comen-
zó en el período protodinástico alrededor del año
3150 a. Los sellos distintivos de la antigua civili-
zación egipcia, como el arte, la arquitectura y mu-
chos aspectos de la religión, tomaron forma du-
rante el Período dinástico temprano y duró hasta
aproximadamente el 2686 a.
Durante este período se estableció el panteón de
los dioses y se desarrollaron las ilustraciones y
proporciones de sus figuras humanas; y se crea-
ron imágenes egipcias, simbolismo y escritura je-
roglífica básica.
Durante el Imperio Antiguo, de 2686 a 2181 a. C.,
los egipcios pirámides y se construyeron otras es-
culturas más naturales. También se completaron
los primeros retratos conocidos. Al final del Impe-
rio Antiguo, el estilo egipcio se movió hacia figuras
formalizadas semidesnudas con cuerpos largos y
ojos grandes.
El arte del Antiguo Egipto alcanzó una sofistica-
ción considerable en pintura y escultura, y fue al-
tamente estilizado y simbólico. Gran parte del arte
sobreviviente proviene de tumbas y monumentos;
de ahí el énfasis en la vida después de la muerte y
la preservación del conocimiento del pasado.
En un sentido más estricto, el arte del Antiguo
Egipto se refiere al arte de la segunda y tercera
dinastía desarrollado en Egipto desde el 3000 a.
C. hasta el siglo III.
La mayoría de los elementos del arte egipcio se
mantuvieron notablemente estables durante este
período de 3000 años, con relativamente poca in-
fluencia externa. La calidad de la observación y
ejecución comenzó a un alto nivel y se mantuvo
así durante todo el período.
El arte egipcio se puede dividir en cinco períodos:
Períodos predinástico y dinástico temprano (c.
3500-2575 a. C.).
Reino Antiguo (c. 2575-2134 a. C.) la “era de las
pirámides”
Reino Medio (c. 2040-1640 a. C.)
Reino Nuevo (c. 1550-1070 a. C.)
Período tardío y ptolemaico (c. 1070-30 a. C.)
El antiguo Egipto pudo prosperar gracias a su ubi-
cación en el río Nilo, que se desborda a intervalos
predecibles, lo que permite un riego controlado y
proporciona un suelo rico en nutrientes favorable
para la agricultura.
La mayor parte de la población y las ciudades de
Egipto se encuentran a lo largo de las partes del
valle del Nilo al norte de Asuán, y casi todos los
sitios culturales e históricos del Antiguo Egipto se
encuentran a lo largo de las orillas de los ríos.
El Nilo termina en un gran delta que desemboca
en el Mar Mediterráneo. Los colonos del área fi-
nalmente pudieron producir un excedente de cul-
tivos comestibles, lo que a su vez condujo a un
crecimiento de la población.

Las inundaciones y reflujos regulares del río tam-
bién son responsables de los diversos recursos
naturales de la región.
Los recursos naturales en el valle del Nilo durante
el surgimiento del antiguo Egipto incluían la cons-
trucción y la piedra decorativa, los minerales de
cobre y plomo, el oro y las piedras semipreciosas,
todos los cuales contribuyeron a la arquitectura,
los monumentos, las joyas y otras formas de arte
por las que esta civilización se convertiría. llegar a
ser bien conocido.
Abundaban las piedras de construcción de alta
calidad. Los antiguos egipcios extraían piedra ca-
liza a lo largo del valle del Nilo, granito de Asuán y
basalto y arenisca de los wadis (valles) del desier-
to oriental. Los depósitos de piedras decorativas
salpicaban el desierto oriental y se recolectaron
temprano en la historia egipcia.
PINTURA EGIPCIA
Está muy relacionada con la forma de represen-
tar en los relieves. Tiene una finalidad religiosa y
ornamental, cubriendo todos los muros de los mo-
numentos. Es a partir de la II Dinastía cuando la
pintura adquiere personalidad propia.
La composición se sitúa en franjas o registros,
aunque también se puede llenar todo el muro con
una representación. Las figuras suelen represen-
tarse de perfil, al igual que en el relieve, y con el
cuerpo de frente, lo que veremos también en las
representaciones del arte mesopotámico.
Se trata de cubrir completamente los muros de
decoración.
Por lo general hablamos de pin-
tura mural, es decir, al fresco,
con la preparación previa de la
pared en la que se va a trabajar
con la pintura.
Es lo que se llama “Enfoscado y
enlucido”, cubriendo el muro con
una capa de arena y yeso húme-
dos para que absorba la pintura, esta capa de en-
foscado se alisa o enluce para que la pintura que
se aplica a continuación quede uniforme.
Si la pintura se mezcla con agua se denomina
“buen fresco”, ya que la pared seca absorbe la
pintura.
A veces se utiliza clara de huevo, goma o cola en
lugar de agua, que se denomina “fresco seco”,
que mantiene con mayor firmeza la pintura en el
muro.
Es un tipo de pintura lineal, con una línea oscura
que bordea todas las figuras, sin buscar volumen
en la imagen, así como tampoco busca profundi-
dad, con figuras en diferentes planos, aquí hay un
plano único. El color es plano, sin dar tonalidades,
y rellenando las líneas de contorno, sin claro-os-
curo.
Hay también pintura sobre papiro, sobre todo de
temática religiosa, como el “Libro de los Muertos”.

La temática puede ser religiosa, sobre todo en el
caso de las tumbas con las representaciones de
“El Libro de los Muertos”, pero también hay es-
cenas cotidianas, de cosecha, de trabajo, pesca,
caza, bailes, etc.
“Anubis con una momia”, es uno de los ejemplos
de pintura funeraria en la que se puede ver con
claridad la linealidad del dibujo. Primero se pinta
el contorno y luego se rellena con color. Las zo-
nas vacías de dibujo se completan con escritura
jeroglífica.
No se busca la perspectiva, sino que las figuras
se superponen.
“Las Plañideras” representan el dolor por la muer-
te del difunto, los ojos se muestran de frente en
contraposición del perfil de la figura. En algunos
casos la postura de las plañideras es parecida a
las de las estatuas cubo.
“Ofrendas para el sacrificio”, escena de la tumba
de Tutankamón (s. XIV a. C.), sigue diferenciando
el tono de color de la piel del hombre, más oscura,
frente al de la mujer.
La población egipcia es de rasgos negroides, la
llamada población Camita, y así serán también los
propios faraones, aunque su piel fue diferencián-
dose dado que solían contraer sus primeros matri-
monios, aquellos que más importancia tenían y de
los que surgía el heredero, con mujeres de origen
asiático, de la zona de Mesopotamia.
El faraón tiene en sus manos todos los poderes
del reino, el político, religioso, militar, jurídico, ad-
ministrativo, económico, etc. con lo que deduci-
mos que se da una fuerte centralización estatal.
En pintura mural destaca la “Tumba de Nefertari”
(s. XIII a. C.), esposa de Ramsés II, que ha llega-
do a nosotros en muy buen estado. Escenas del
“Libro de los Muertos” y el camino a seguir por la
reina hasta el más allá. No aparecen ya franjas
superpuestas, sino una única escena que llena
toda la pared.

Esta tumba es el mayor ejemplo de la pintura
egipcia, muestra escenas cotidianas, banquetes,
escenas de caza y pesca, juegos, músicos, ...
La pintura alrededor de Los dioses egipcios.
Para la cultura egipcia, así como la figura del Faraón
era de gran importancia, la encarnación propia de un
ser resplandeciente de divinidad; en su entorno se mo-
vían diversos dioses que encarnaban personalidades
de gran relevancia respecto al plano terrenal.
Así como la figura real representada como un dios de
nombre Horus (cuya figura se representaba por un hal-
cón), algunos de los dioses de mayor importancia, y
que además se representaron en gran parte de sus
obras, especialmente esculturas, son los siguientes:
•Amón-Ra: Este era uno de los dioses más importan-
tes, relacionados con el sol. Para la cotidianidad de
Egipto, para todas las personas era de gran importan-
cia. Especialmente por lo que representaba: tanto la
vida como el renacer.
•Anubis: Es una de las máximas representaciones del
Antiguo Egipto, mucho se representó especialmente
en figuras escultóricas, las cuales se encontraron en
muchas timbas reales. Su apariencia es la de un cha-
cal en la que se forma revestido como el protector de
los muertos cuya función es pasar el corazón de los
muertos, para luego en su tránsito elucidar si merece o
no una vida eterna.
•Hathor: esta estaba representada a partir de formas
de vaca o parte de ellas o con un círculo sobre su ca-
beza, siendo la diosa de la fertilidad.
•Kepri: el simbolismo de este dios representaba tanto
el renacer como la transformación como el dios solar.
Fue el animal sagrado de Egipto el
escarabajo, por ello este dios se re-
presenta en esta forma.
•Khum: este era el encargado de
trasladar las almas a los infiernos,
por ello es el dios de los muertos.
La rigidez y frontalidad como carac-
terística en sus pinturas y esculturas
Una de las características de gran importancia a nivel
estético y artístico especialmente en sus esculturas
y pinturas son las formas rígidas en las que estas se
mostraron.
Todas carecen de movimiento, suelen, de hecho, en-
contrarse erguidas las figuras especialmente en las
esculturas.
Todo esto con sentidos rituales especialmente, consi-
derando la finalidad de muchas de estas piezas escul-
tóricas.
Sin embargo, el movimiento suele notarte un poco
más tanto en pintura como en bajorrelieve, donde se
notan un despliegue tanto en los brazos como en las
piernas, aunque por otro lado muestran otras caracte-
rísticas que generan la rigidez que denotan la ley de
frontalidad.
El color y su simbolismo en sus pinturas
El color para los egipcios era de gran importancia, aun-
que por razones un tanto lógicas la gama de tonalida-
des era reducida a negro, blanco, amarillo, rojo, verde
y azul. Sin dejar de considerar que la gama de tonali-
dades era extraídas de la naturaleza.
No eran mezclados los colores, sino que se contras-
taban separándose por líneas negras considerable-
mente gruesas. Como para ellos el simbolismo era
fundamental, el color era uno de ellos. Por un lado, el
rojo simbolizaba el Alto Egipto, mientras que el blanco
representaba al Bajo Egipto.
Asimismo, funcionaba para diferenciar los sexos al
hacer uso del color sobre la piel, especialmente si se
trataba de la nobleza. Para la mujer se empleaba un
tono blanquecido, mientras que para los hombres se le
agregaba un tono cobrizo.

Arte mesopotámico (h. 4000 - 539 a.C.
El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia
del arte que trata de Mesopotamia durante la edad Antigua. Hace referencia a
las expresiones artísticas de las culturas que nacieron en las riberas de los
ríos Tigris y Éufrates.
Figurilla femenina procedente de Samarra, c. 6000 a. C.
Mesopotamia significa (país) entre ríos.
L
a antigua Mesopotamia localizada en la ac-
tual Iraq tenía una tierra muy fértil a causa de
los ríos Tigris y el Éufrates, que desembocan
en el Golfo Pérsico; es un terreno envuelto de de-
sierto.
Estas tierras fueron ocupadas hace más de 5.000
años a.C. por los sumarios, quienes construyeron
las primeras ciudades como Ur y Lagash sobre
colinas y las fortificaron para defenderlas de otros
pueblos que buscaban un lugar mejor donde vivir.
Cada ciudad se gobernaba a sí misma, eran esta-
dos independientes.
Las civilizaciones fluviales, como es el caso de
Mesopotamia, son las ciudades que se formaron
con grandes ríos, como el Tigris o el Éufrates, en
el caso de Egipto, el Nilo, el rio Indus con India, y
los ríos Amarillo y Azul con China.
Para los griegos, entre el Tagos (Tajo) y el Anas
(el Guadiana) había una Mesopotamia habitada
principalmente por celtas.
Finalmente, añadir como introducción que los pri-
meros residentes de la región de Mesopotamia
fueron las culturas neolítica y calcolítica, hacia
el año 7000 a.C. con la eclosión de las primeras
poblaciones agrícolas hasta llegar a las ciudades
sumerias en el 3700 a.C.
Más tarde, se cree que los sumerios se desplaza-
ron hacia el noroeste del país entre los dos ríos
hacia el año 4000 a. C, y que substituyeron o se
mezclaron con las poblaciones locales.
El arte mesopotámico es una división cronológica
y geográfica de la historia del arte que trata de
Mesopotamia durante la edad Antigua.
Hace referencia a las expresiones artísticas de las
culturas que nacieron en las riberas de los ríos
Tigris y Éufrates. Desde el Neolítico (hacia el VI
milenio a. C.) hasta la caída de Babilonia ante los
persas en el año 539 a. C.
Entre ambas fechas se desarrollaron las civiliza-
ciones sumeria, acadia, babilonia (o caldea), casi-
ta, hurrita (Mittani) y asiria (arte asirio).
Tras milenios entre el predominio de la Baja Me-
sopotamia y la Alta Mesopotamia, la región, al
formarse el imperio persa, se incorporó a una di-
mensión espacial de orden muy superior, que el
imperio de Alejandro Magno y el helenismo co-
nectaron con la época romana (arte persa, arte
helenístico).
Incluso en la época anterior a los persas, el arte
mesopotámico tuvo varias vías de contacto, a tra-
vés de la guerra, la diplomacia y el comercio a
larga distancia, con el de las demás civilizaciones
del Antiguo Oriente Próximo (arte de la civilización
hitita y otras del Asia Menor; arte fenicio, del an-
tiguo Israel y de otras civilizaciones del Levante
mediterráneo; y el arte egipcio), e incluso con el
arte de la India y del Asia central.
La pintura
Debido a las características del país, existen muy
pocas muestras de ello. No obstante, se puede
apreciar que tienen la misma temática y técnica
que utilizan en los relieves, sin perspectiva.

Al igual que los mosaicos (más perdurables) tie-
nen un fin decorativo.
En la pintura y los grabados, la jerarquía se mos-
traba de acuerdo con el tamaño de las personas
representadas en la obra: los de más alto rango
se mostraban más grandes a comparación con el
resto.
PINTURA SUMERIA
“El Estandarte de Ur” (s. XXVI a. Cto., Museo Bri-
tánico, Londres, RU).
También realizan un tipo de pintura mediante la in-
crustación de figuras de nácar y concha sobre fon-
do de lapislázuli, como es el caso del “Estandarte
de Ur”, que representa una procesión de ofrendas
al rey.
Es de época Sumeria, hacia el 2800 a. Cto. Los
personajes que aparecen tienen la representación
física típica de los sumerios, falda de hojas y sin
barba. Aparece dividido en franjas, al igual que en
el arte egipcio, y este estilo pasará también a Per-
sia. El rey aparece en mayor tamaño, lo que indica
jerarquización en la pintura.
Hallado en el interior de una tumba de Ur, cuando
lo hallaron era tal su deterioro que podría identifi-
carse con cualquier cosa o con nada.
Una vez restaurado, Woolley, su
descubridor, pensó que se trata-
ba de una enseña erguida en lo
alto de un mástil y de ahí el nom-
bre de “estandarte”.
Hoy se aventura que quizá fuera
la caja de resonancia de un arpa,
pero su función original sólo es
una conjetura. Lo cierto es que el marco original
de madera estaba descompuesto y el betún, que
hacía de adhesivo de las teselas que forman las
bellísimas escenas de la decoración de sus cuatro
paneles, se había desintegrado.
Excavando centímetro a centímetro, Woolley lo
extrajo derramando sobre las teselas sueltas
parafina caliente y aplicando lienzos para darles
consistencia. Los bloques así consolidados fueron
levantados y colocados frente a un espejo, pudién-
dose comprobar que el desarrollo de los motivos
ornamentales era correlativo y que los paneles
admitían la recomposición, afortunadamente sin
perder su coherencia.
De este modo fue posible reconstruir exactamente
el delicado mosaico, en sus dos caras principales
llamadas “de la paz” y “de la guerra”, así como las
laterales.
En la escena “de la paz” se representan animales,
pescados y otros bienes traídos en procesión ante
el rey que celebra un banquete.
Las figuras sentadas, vistiendo las repetitivas fal-
das de vellón de oveja o flecos gruesos, beben
con el acompañamiento de un músico que toca
un arpa. Escenas de banquete como esta son co-
munes sobre los sellos cilíndricos de este periodo,
como ocurre con el sello de la reina Pu-Abi.
El panel “de la guerra” muestra una de las re-
presentaciones más tempranas de un ejército
sumerio. Los carros, cada uno tirado por cuatro
onagros, pisotean a sus enemigos; los soldados
de infantería, con capas, llevan lanzas y hachas.
Todo delante de un rey que, a su vez, sostiene
una lanza.

El exquisito objeto apareció en la esquina de una
de las cámaras de la tumba, sobre el hombro de
un hombre.
PINTURA PALEO-BABILÓNICA
“Pintura de la investidura de Zimrilín” (Museo de
Louvre, París), investido por el dios de la ciudad
de Mari. Aparecen dioses de los vasos manantes,
figuras vegetales y animales, y tiene muchas co-
sas en común con la pintura cretense.
Se distribuye en franjas sin tercera dimensión, se
delimita las figuras con franja oscura (linealidad) y
hay un dominio de los colores negro y blanco.
“Ofrendas a las divinidades”, en el Palacio de Mari.
Las figuras aparecen de perfil con el ojo frontal.
PINTURA ASIRIA
Decora gran cantidad de muros de los palacios,
también reviste los relieves. También las familias
aristocráticas utilizan pinturas en sus mansiones.
Destaca el Palacio de Til-Barsip, donde hay gran
profusión de pinturas.

PINTURA NEO-BABILÓNICA
“Panel del Salón del Trono de Babilonia”, en el
que se muestra gran variedad de colorido: azul,
amarillo y blanco. Se representa a base de cene-
fas que rodean las escenas con animales híbri-
dos. También se decoran las columnas con moti-
vos vegetales.
Pintura esmaltada de la “Puerta de Ishtar” en Ba-
bilonia hoy en el Staatliche Museen de Berlín, en
el que dominan el azul, amarillo, blanco y ocre. El
tipo de animales que representan influirán en la
cultura persa.
De la Puerta de Ishtar sólo se conserva la parte
baja. Lado vitrificado. Los colores son muy llama-
tivos y en relieve. Tenía una doble puerta, la parte
exterior más baja y la interior más alta. Disponía
de un solo arco de medio punto y remataba en
almenas. Esta puerta no era maciza, pues tenía
dependencias en el interior.
En la parte baja hay una cene-
fa con rosetas con lados ama-
rillos, blancos y azul más claro.
Esta cenefa hace de zócalo. Una
cenefa similar también aparece
arriba y alrededor del vano. El
resto es de fondo azul oscuro
con decoración de toros y drago-
nes amarillos, relacionados con Marduk.
Mapa de la Mesopotamia antigua

Arte minoico (h. 3000 - 1400 a.C.)
El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia
Arte minoico o cretense es el arte de la civilización minoica o cretense, una
civilización prehelénica que se desarrolló en la isla de Creta entre el III milenio
a. C. y el II milenio a. C.
Fresco de la taurocatapsia. Palacio de Cnosos.
E
l arte minoico o cretense es un movimiento
artístico que se desarrolló en la isla de Creta
durante la Edad del Bronce (3000-1100 a.
C), esto es, aproximadamente en la primera mitad
del II milenio a.C.
Se denomina minoica en referencia al rey Minos
de Creta, personaje de la mitología griega, sien-
do una de las culturas más suntuosas, refinadas y
sorprendentes de toda la prehistoria europea.
Así, la civilización cretense fue una de las más flo-
recientes debido a su gran actividad marítima y
comercial.
Su privilegiada ubicación en el Mediterráneo, cla-
ve en los circuitos comerciales, y el rico sustrato
cultural acumulado, considerable desde el Neolí-
tico y efecto de la constante llegada de población
desde Asia Menor.
Características del arte minoico
El arte minoico o cretense dejó una honda huella
en la tradición helénica, siendo una de las bases
del arte y la cultura occidental. Las investigacio-
nes desarrolladas por el arqueólogo H. Schlie-
mann, descubridor de Troya y Micenas, y por el
historiador y arqueólogo A. Evans, descubridor del
Palacio de Cnosos, evidenciaron la gran riqueza
artística y el desarrollo al que había llegado esta
civilización. Así, nos encontramos ante un arte cu-
yas principales características son:
Es una pintura polícroma con predominio de los
colores ocres.
La técnica más empleada es la del fresco.
Abundan las espirales y los círculos, además de
los motivos marinos como pulpos y delfines.
Existe un canon muy definido: cuerpos largos con
cinturas estrechas, narices alargadas y delgadas,
caras sonrientes y de perfil. Las mujeres suelen
representarse con el pecho descubierto y largas
faldas. Los cabellos son rizados y presentan pei-
nados complejos.
La pintura mural minoica se ha documentado en
Creta y en las islas Cícladas, continuándose en
Micenas. Se inició en el Neolítico, con yeso pin-
tado con pigmentos rojos y negros, y se comenzó
a desarrollar una técnica de fresco diferente de la
que se empleaba en Egipto o el Oriente Próximo.
En el periodo palacial se perfeccionó la técnica y
se añadieron pigmentos azul, gris, amarillo y blan-
co; inicialmente sólo con decoración geométrica
sobre fondos claros, tanto en paredes como en
suelos.
Fue en Cnosos donde se inició la decoración figu-
rativa, primero con temas florales, y se hizo más
compleja la paleta, añadiendo pigmentos naranja
y verde, y oscureciendo los fondos. Los colores
son planos y vivos, de gama reducida, consegui-
dos mediante pigmentos minerales.
Los conjuntos más importantes proceden del pala-
cio de Cnosos y de las casas de Akrotiri, en Thera.
La mayoría de los conservados son del final del
periodo neopalacial, entre 1600 a. C. y 1480 a. C.

La pintura figurativa se desarrolló a partir de pre-
cedentes egipcios, sin embargo, desarrolló formas
originales. Incluso se especula con la posibilidad
de una influencia en sentido opuesto (los llama-
dos “frescos minoicos de Tell el-Daba -Avaris-).
Se considera que la función de la pintura minoica
sería fundamentalmente religiosa.
En cuanto a la temática destacan las escenas de
la vida religiosa o cortesana, así como los paisa-
jes.
Las figuras humanas representan a personas jó-
venes, con hombres atléticos con la piel rojiza o
anaranjada solo vestidos con taparrabos o falde-
llines cortos y mujeres pálidas vistiendo el traje tí-
pico de falda larga de volantes y corpiño que deja
al aire los pechos.
En los paisajes se representan plantas cretenses
o, en ocasiones, egipcias. Los animales son re-
presentados en movimiento, con el llamado “ga-
lope minoico”.
Las pinturas más conocidas han recibido denomi-
naciones específicas: el fresco de los lirios (tam-
bién llamado de las azucenas), de una villa de Am-
niso, el fresco de la taurocatapsia; los portadores
de ofrendas y las decoraciones del Megaron de la
reina (a base de delfines) o del Salón del trono de
Cnosos, (con grifos).
Entre las figuras aisladas sobresalen La Parisien-
ne, el príncipe de los lirios, el recolector de azafrán
(el más antiguo descubierto, restaurado errónea-
mente con rasgos humanos, pero que original-
mente representaría un mono azul -en Akrotiri hay
unos recolectores de azafrán-), o el pájaro azul.
Una de las últimas obras de la pintura cretense se-
ría el sarcófago de Hagia Triada, en el que varios
personajes realizan actos de culto, como sacrifi-
cios cruentos e incruentos, al son de instrumentos
musicales.
La danzarina
Recibe su nombre por la representación de su
pelo en movimiento, pero también se ha sugerido
la posibilidad de que se trate de la epifanía de una
diosa que desciende del cielo
Fresco del saltador de toros, del palacio de Cnosos.

Fresco de los delfines
Se ha señalado la posibilidad de que, en lugar del muro,
estuviera ubicada en el pavimento
Príncipe de los lirios
Se ha sugerido que tal vez arrastraba un animal. Con res-
pecto a la reconstrucción que figura en el museo de Hera-
clión, hay controversia debido a que algunos creen que se
han unido fragmentos que en realidad pertenecían a dife-
rentes personajes y que uno de ellos podría ser un atleta
o un boxeador mientras que la corona podría haber per-
tenecido a una esfinge. Otros arqueólogos, sin embargo,
apoyan la reconstrucción propuesta por Evans y Gilliéron
Las cabinas de capitán
Se trata de varias composiciones de un tipo de objeto
formado por tres barras verticales abundantemente de-
coradas, que se interpretan como cabinas de capitán de
barco debido a que en el «fresco de la procesión náutica»
se hallan construcciones similares a estas dentro de cada
barco ocupadas por una figura masculina

Los dibujos de los vestidos son
diferentes en cada bailarina.
Pese al nombre de arboleda sa-
grada, se ha sugerido que los ár-
boles de este fresco podrían no
tener un carácter especial.Debía
decorar una habitación junto con
el anterior, de manera que ambos
se conocen como «fresco de las
figuras en miniatura».
La cultura Minoica en la antigüedad se desarrollo en la Isla de Creta en la región Insular de Grecia
la cual posee un gran litoral marítimo que le proporciona ventajas para la navegación. Esta situación
tan privilegiada le propicio servir de vínculo entre la región del oriente y la del occidente; lo cual tuvo
especial connotación en lo relativo a las actividades comerciales.
Hacia el año 2800 A. C, se formaron las primeras aldeas, pero no fue hasta el año 2000 A. C que se
formaron y desarrollaron las primeras ciudades. En las ciudades cretenses se encontraban palacios
bellamente decorados con fastuosa opulencia. Es importante señalar que estas ciudades no esta-
ban amuralladas. Los cretenses eran amantes de la naturaleza, inclinados hacia la vida pacifica y
campestre.

Arte micénico (h. 1500 - 1100 a.C.)
El arte micénico fue el desarrollado durante el periodo helénico al final de la
llamada Edad de Bronce, específicamente entre los años 1600 y 1200 antes
de Cristo.
Máscara micénica realizada en una lámina dorada, llamada «máscara de Agamenón», Museo
Arqueológico Nacional de Atenas.
L
a civilización micénica floreció a finales de la
Edad del Bronce del siglo XV al XIII a. C., y
sus artistas continuarían las tradiciones que
les transmitieron desde la Creta minoica .
La cerámica, los frescos y la orfebrería represen-
tan hábilmente escenas de la naturaleza, la reli-
gión, la caza y la guerra.
Al desarrollar nuevas formas y estilos, el arte mi-
cénico demostraría ser más ambicioso en escala
y variedad de materiales que el arte cretense y,
con su progresión hacia imágenes cada vez más
abstractas, continuaría influyendo en el arte grie-
go posterior en los períodos arcaico y clásico.
La civilización micénica se basó en la Grecia con-
tinental, pero las ideas y los materiales llegaron a
través de contactos comerciales con otras cultu-
ras del Mediterráneo.
Los materiales importados incluían oro, marfil
(principalmente del elefante sirio), cobre y vidrio,
mientras que en la otra dirección los productos mi-
cénicos, como la cerámica, llegaban a lugares tan
lejanos como Egipto , Mesopotamia , el Levante ,
Anatolia , Sicilia y Chipre .
En el arte expresado en frescos, cerámica y jo-
yería, la cultura minoica anterior en Creta influyó
mucho en el arte micénico.
El amor minoico por las formas naturales y el di-
seño fluido fue adoptado especialmente por los
artesanos micénicos, pero con una tendencia a
una representación más esquemática y menos re-
alista.
Este nuevo estilo se convertiría en el dominante
en todo el Mediterráneo.
Los diseños geométricos también eran populares,
al igual que los motivos decorativos como espira-
les y rosetas. Las formas de la cerámica son muy
parecidas a las minoicas con las notables adicio-
nes de la copa y el alabastron (jarra en cuclillas)
con una clara preferencia por las jarras grandes.
Las figurillas de terracota de animales y especial-
mente las figuras femeninas de pie eran popula-
res, al igual que las pequeñas esculturas en mar-
fil, las vasijas de piedra tallada y las intrincadas
joyas de oro.
Los frescos representaban plantas, grifos, leo-
nes, saltos de toros, batallas escenas, guerreros,
carros, escudos en forma de ocho y cacerías de
jabalíes, una actividad micénica particularmente
popular.
Pintura micénica
La pintura mural es la técnica que conserva mejor
el gusto del arte monumental. Los muros de los
palacios micénicos estaban recubiertos de fres-
cos en la más pura tradición minoica.
Los palacios de Tirinto, Micenas y Pilos han con-
servado restos de decoración mural que pertene-
cen generalmente a la última fase del palacio (si-
glo XIII a.C.), pero algunos fragmentos se fechan
en épocas anteriores.

Su repertorio excluye las decoraciones ornamen-
tales inspiradas en elementos vegetales o anima-
les típicos de la pintura minoica.
Las técnicas utilizadas solían ser variadas. Las
técnicas pictóricas y métodos artisticos que se uti-
lizaban por la cultura micénica viene de los creten-
ses o minoicos.
Los colores solían ser extraídos de minerales que
se encontraban localmente y por ese motivo se
pueden observar que las tonalidades utilizadas
eran el azul, el rojo, el negro y el amarillo.
Una de las técnicas más usadas
en la pintura era utilizar dichos
colores, cuando todavía esta-
ban húmedos, y aplicarlos direc-
tamente sobre las paredes con
precisión.
Los temas principales de la pintura micénica eran
principalmente representaciones de escenas coti-
dianas de las personas, de imágenes bélicas y de
cacerías, que hacían alusión a la naturaleza.
Guerreros del Palacio de Pilos

Escena de carro del Palacio de Pilos
El arte decorativo ofrece, en la civilización micé-
nica, fuertes elementos de originalidad junto a
claros influjos minoicos que hay que supeditar al
entronque que tal cultura prehelénica estableció
con la que de antiguo florecía en Creta, cuando
se puso en contacto con aquella isla, alrededor
del año 1450.
Mujer ataviada con collar - Micenas
Fresco con damas sobre un carro Siglo XIII a.C.
Pintura al fresco.
Procede del último palacio de Tirinto.

Máscara de Agamenón
Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
Homero hablaba de la “ventosa Troya” y Troya era, en verdad,
lugar muy venteado. Si llamaba, pues, a Micenas “áurea”, es
que en Micenas había oro. En 1876 empezó a buscarlo Schlie-
mann. En una profunda zanja, los ojos de Sofía descubrieron
algo que brillaba: un anillo de oro.
Despidieron a los trabajadores y fueron Schliemann, su mujer y Stamakatis, ar-
queólogo delegado del gobierno griego, quienes excavaron las cinco tumbas.
Hallaron un verdadero tesoro, no sólo por la materia de los objetos, sino por la
magnificencia de su arte: diademas, copas, puñales, alfileres, petos y másca-
ras de oro. Cuando Schliemann alzó la máscara, apareció un rostro intacto que
inmediatamente identificó como el del “Rey de Hombres” homérico. Lleno de
emoción, Schliemann se inclinó y le dio un beso. Debió de ser un instante verda-
deramente cenital.
La civilización micénica forma parte de la civilización egea o, en plural, civilizaciones
egeas, que son denominaciones historiográficas para la designación de un grupo de civili-
zaciones prehelénicas (es decir, anteriores a la civilización griega) que se desarrollaron en
la protohistoria en el espacio en torno al mar Egeo.
Además de la micénica, están las civilizaciones cicládica (en torno a las islas Cícladas), y
la minoica (isla de Creta). También se ha especulado con una cuarta civilización, la luvita.

Arte griego (h. 1000 - 320 a.C.)
El arte de La Antigua Grecia es el estilo elaborado por los antiguos artis-
tas griegos, caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el
“mundo ideal” del modelo platónico, o mediante la “imitación de la naturale-
za” en el sentido de la mímesis aristotélica.
Diadúmeno, de Policleto (3.er cuarto del siglo V a. C.).
P
intura griega clásica se llama a la pintura del
periodo clásico en la Antigua Grecia (Héla-
de) que comprende la época entre las Gue-
rras Médicas y hasta el reinado de Alejandro Mag-
no, desde el siglo V hasta mediados del siglo IV
a.C. Es conocida como la etapa de elegancia que
sigue a la pintura arcaica y precede a la pintura
helenística.
Como se menciona en el resumen de la pintura
griega, apenas se han conservado obras pictóri-
cas de este y otros periodos del arte griego. Su
estudio se basa en los pocos vestigios que se han
encontrado —por ejemplo, fragmentos de tabli-
llas—, en los textos de los historiadores clásicos y
las copias romanas posteriores.
Al igual que durante el periodo arcaico, la mayor
muestra pinturas griegas clásicas son los vasos
de cerámica pintados. Pero al ser una pintura de
tipo decorativa, dependiente del soporte y muy
condicionada por su forma y dimensiones; sacar
conclusiones generales a partir del estudio de es-
tas piezas ofrece una visión sesgada e incompleta
de la pintura de este periodo.
Además, se considera que, durante la pintura grie-
ga clásica, puestos a analizar la disciplina a través
de obras no originales, existe una correlación más
precisa entre las obras pictóricas y las copias ro-
manas (mosaicos y frescos) que entre estas y la
cerámica pintados.
Características de la pintura griega clásica
La pintura griega clásica, como en el periodo ar-
caico, se sigue usando para la decoración de pie-
zas de cerámica, en ornamentos escultóricos de
la arquitectura griega (en templos, tumbas, pala-
cios, etc.), en la policromía de estatuas y relieves,
en estelas funerarias y tablillas independientes.
Los cuadros pequeños son las pinturas de moda
en este periodo. Se sabe por la literatura clásica
que las exhibiciones y concursos eran habituales
en ciudades como Atenas o Delfos. Su polaridad
contrasta con la pérdida de interés por las gran-
des pinturas murales.
De las características de la pintura arcaica se
mantienen el predominio del dibujo y la importan-
cia de la línea, la economía en los detalles y la
aplicación de colores planos.
Sin embargo, durante la pintura clásica griega, el
dibujo de las figuras se refina, se exploran nuevas
vistas en la representación del cuerpo humano
y sus partes, y aunque la anatomía se mantiene
idealizada (por ejemplo: el perfil griego) su efecto
es más realista.
También se avanza en los efectos de tridimensio-
nalidad de la pintura. Se ponen en práctica unas
formulas básicas de perspectiva como la superpo-
sición de figuras y su situación en distintos planos
de la escena (arriba o abajo) según su distancia.
Intermitentemente, también probarán los pintores
griegos a crear un efecto de claroscuro primitivo
enfatizando las líneas de algunos pliegues y con
un sombreado a rayas para modelar objetos cur-
vos.
Tanto los conocimientos de perspectiva y anato-
mía alcanzados durante este periodo no serán su-
perados hasta el Renacimiento.

Se cree que el fondo de las populares tablillas era
pintado de blanco con líneas base que separaban
los grupos de figuras y que, ocasionalmente y al
contrario que en la cerámica, los escenarios eran
ambientados con los elementos sencillos de un
paisaje (por ejemplo: árboles y rocas).
Materiales y técnicas de la pintura griega clásica
Aunque la mayoría de las muestras de pintura
clásica están pintadas sobre piezas de cerámica,
esto no quiere decir que fuese el soporte predi-
lecto. Los medios y técnicas de la pintura griega
fueron tan variados como sus usos.
Para las pinturas al fresco o al temple de los mu-
ros, las esculturas de piedra pintadas con tempera
y encáustica y las tablillas de madera y terracota,
se supone que se empleaba una amplia paleta de
colores: rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul,
púrpura y marrón basándose en las muestras de
los excepcionales lecitos áticos blancos con figu-
ras polícromas y los mosaicos romanos que co-
piaron pinturas de este periodo.
En la decoración de los vasos de cerámica por lo
general la paleta de colores se limitaba a aquellos
pigmentos capaces de soportar las altas tempera-
turas del horno—amarillo, rojo, blanco y negro—y
sus combinaciones. Características de este pe-
riodo son las vasijas de figuras rojas sobre fondo
negro.
Temas de la pintura griega clásica
Junto a los temas mitológicos, batallas históricas
y heroicas y las escenas de la vida cotidiana que
ya se pintaban durante el periodo arcaico, la de-
manda creciente de encargos privados introduce
otros temas como:
Tablas votivas para ser ofrecidas en los templos.
Bodegones decorativos con cornucopias y guir-
naldas de flores y frutos.
Imágenes eróticas.
La introducción al retrato y a la
caricatura de cuerpo entero con
características generales.
Pintores de la Grecia clásica
El nombre de los pintores grie-
gos clásicos y los títulos o deta-
lles de algunas de sus obras se conocen gracias a
los registros de los historiadores clásicos:
Polignoto de Tasos: A Polignoto se le atribuye el
posicionamiento de las figuras a distintas alturas
dentro de una escena. También fue apreciado por
la expresividad de sus figuras y la calidad de sus
dibujos.
Apolodoro de Atenas: Apolodoro está considera-
do el inventor del sistema primitivo de claroscuro
(skiagrafía, σκιαγραφία) con una trama de líneas
para modelan los objetos y figuras curvos.
Zeuxis de Heraclea: Zeuxis fue apreciado por sus
pinturas de escenas cotidianas sobre tablillas.
Parrasio: Al igual que Zeuxis, Parrasio perteneció
a la escuela naturalista jónica. Destacó por la ele-
gancia y expresión dramática en el dibujo de sus
figuras.
Apollo usando guirnalda de laurel o mirto. Tondo en fondo
blanco del periodo clásico griego, encontrado en ofrenda fu-
neraria. Museo de Arqueología de Delphis. Tomisti/ CC BY-
SA 3.0/ Wikimedia Commons

En los siguientes períodos, la historia de la Anti-
gua Grecia se dividió así:
Arcadio (776 – 499 A.C.), durante esta etapa, los
jonios, acadios, dorios, eolios, aqueos, se esta-
blecieron en Grecia continental y las islas del mar
Egeo, terminando por conquistar Asia Menor, sur
de Italia, incluyendo Sicilia.
Surgieron las polis como Atenas, Tebas, Esparta,
Corintos, Argos, aunque independientes, unidas
por costumbres comunes, formaron el territorio
Hélade.
Clásico (499 – 323 A.C.), se desarrollaron las lla-
madas guerras médicas contra el Imperio persa,
que venció Grecia.
A partir de aquí, Atenas inició una época esplen-
dorosa bajo el gobierno de Pericles, hasta caer en
dominio de Esparta.
Helenístico (323 – 30 A.C.), Alejandro Magno de-
rrota a los persas, conquistando los territorios del
Mediterráneo y parte de Oriente.
En el año 200 A.C., los romanos tomaron las co-
lonias griegas, no obstante, Atenas siguió siendo
una ciudad importante.
Desde el 392 D.C., los griegos formaron parte del
Imperio bizantino hasta la invasión del poderoso
Imperio otomano en 1204.
No es hasta 1830, bajo una etapa de lucha encar-
nizada y con el apoyo de países europeos, que
Grecia obtiene su independencia de manera con-
dicional.
Para 1832, con el reconocimiento pleno, se cons-
tituye el nuevo reino de Grecia como Estado so-
berano.
Años después, continuaron acontecimientos como
las batallas contra los turcos para recuperar terri-
torios durante el siglo XIX, una dictadura fascista
y la ocupación nazi en la primera mitad del siglo
XX, decantaron en la actual República de Grecia
desde 1950.
‘El rapto de Perséfone’ (s. IV a.C.), fresco encontrado
en la tumba Vergina (Macedonia). Una de las pocas
pinturas de la Antigua Grecia que se conocen. Dominio
público.
Fersu y su víctima. Tumba de Augurs finales del siglo
VI. A.C Tarquinia. Italia.

Lécito de tiempos de Pericles, siglo V a.C. Museo
Arqueológico de Atenas
Los funerales de Patroclo.
Vaso griego de figuras rojas
Extracción de arcilla para cerámica. Tablilla de
terracota , Corinto, s.VII-VI Altes Museum de
Berlín, Alemania.
Mapa de la Antigua Grecia.

Arte etrusco (h. 800 - 100 a.C.)
El arte etrusco fue la forma de arte figurativo producido por la civilización
etrusca que se desarrolló en la Italia central entre el siglo IX y el siglo II a. C. El
arte que se conserva es de carácter funerario, relacionado tanto con la pintura
(frescos) como con la escultura.
Caballeros etruscos, lámina de plata incisa con relieves dorados.
L
os etruscos fueron una sociedad civilizada
que vivió en Italia durante las edades del
Bronce y del Hierro.
Sus ciudades-estado estaban ubicadas en Etru-
ria, una región en el centro de Italia que limitaba al
sur con la actual Roma y finalmente se expandió
hacia el norte hasta la actual Milán.
Los etruscos eran contemporáneos de los griegos
y tenían una fuerte relación comercial con ellos. El
arte y la cultura etrusca finalmente fueron absorbi-
dos por lo que se convertiría en la cultura italiana
predominante, el surgimiento de Roma.
Los artistas y artesanos de esta cultura son cono-
cidos por su trabajo en oro, paneles de terracota
pintada y escultura figurativa hecha de piedra y
terracota.
En la pintura etrusca se puede ver una clara in-
fluencia de Grecia y luego así mismo la pintura
etrusca hará lo propio en la pintura romana.
La técnica de la pintura etrusca se caracterizaba
por pintar directamente sobre el yeso fresco para
que la pintura se adhiriera al yeso y así pasara a
formar parte del propio muro.
Muchas pinturas sobrevivientes son las de los
frescos de las paredes en los sitios de entierro.
Técnicas posteriores incluyeron aquellas como el
claroscuro, que le da mayor profundidad y valor.
Los temas incluían escenas de la vida cotidiana,
temas religiosos y mitológicos.
Está muy relacionada con el mundo funerario, ya
que han aparecido en el interior de las tumbas,
decorándolas. Por un lado, aparecen escenas fu-
nerarias y, por otro, aparecen situaciones de la
vida cotidiana para envolver al muerto de todo lo
que había tenido.
El auge de la pintura se dio en el s. VI, aunque en
el s. IV, cuando empieza a decaer, aparece una
preocupación por representar el volumen y la ter-
cera dimensión.
Los etruscos más ricos podían permitirse pintar
frescos en las paredes de sus villas que eran más
alegres que los de los lugares de enterramiento,
por razones obvias. Representaban personas o
parejas que bailaban sanamente o que celebra-
ban, llenas de vitalidad y felicidad.
Los etruscos dejaron más de 13.000 textos, y los
eruditos todavía están trabajando para descifrar-
los. Destacan los textos que fueron creados sobre
finas láminas de oro y los que son inscripciones
en monumentos. El alfabeto etrusco influyó en la
creación del alfabeto latino, que es el precursor
del nuestro.
Aspectos destacados del arte etrusco:
La palabra “persona” en inglés se deriva de una
figura mitológica etrusca enmascarada, Phersu,
que jugaba un juego de derramamiento de sangre
con una víctima para apaciguar al difunto, y este
“juego” fue lo que luego se convirtió en los juegos
de gladiadores de los romanos.

Algunas urnas funerarias tenían forma de “cho-
zas” que estaban destinadas a albergar a los
muertos. Estas urnas dan a los estudiosos una
idea de cómo habrían sido las viviendas etruscas
reales de la Edad del Hierro.
A medida que Etruria se hizo más rica, los lugares
de entierro se volvieron elaborados con tumbas
que eran casas casi enteras y estaban decoradas
con gran opulencia.
Muchas culturas han incluido objetos en las tum-
bas para ayudar a los muertos a continuar en el
más allá, pero los etruscos lo hicieron a gran es-
cala y, en un caso, incluyeron una cama y un ca-
rruaje de bronce de tamaño completo.
Los romanos estaban tan fuertemente influencia-
dos por los etruscos y respetaban tanto su cono-
cimiento que durante muchos cientos de años los
romanos mantuvieron un sacerdocio etrusco que
consultaban para pedir consejo sobre cómo lu-
char contra los bárbaros.
Los etruscos fueron los primeros planificadores
urbanos en diseñar ciudades en un patrón de cua-
drícula.
En el estudio de la pintura etrusca se diferencias
tres épocas cronológicas:
El influjo oriental, entre el 700 y el 575 a. C., con
dos subperíodos, uno entre el 700 y el 625 a. C.,
con influencias fenicias y chipriotas, y otro entre el
625 y el 575 a. C., con influencias griegas. Esta es
la época del gran esplendor de la pintura etrusca.
El tercer período se extiende hasta el siglo III a.
C., ya de decadencia, hasta enlazar con la pintura
romana.
Se ha relacionado con las culturas del Mediterrá-
neo oriental.
Se cree que las técnicas que usaron los etruscos
son las mismas que usaban los pintores heléni-
cos, ya que el arte etrusco parece seguir la misma
evolución.
Los temas reflejan sus creen-
cias religiosas, el pensamiento
acerca de la muerte y la espe-
ranza de la vida eterna y gozosa
tras el fallecimiento.
Las tumbas eran labradas en la
roca o construidas con grandes
bloques de piedra.
Dentro se colocaba el sepulcro y las paredes se
pintaban al fresco, técnica permite que las pintu-
ras perduren a lo largo de los siglos, ya que al se-
carse el yeso sobre el que se aplica el pigmento,
la pintura pasa a formar parte de la propia pared.
Se representaban escenas que nada tenían que
ver con la tristeza de la ausencia del ser querido,
sino que presentan aspectos de lo que fue la vida
del difunto, alegría y fiestas junto a su familia, jue-
gos, cacerías, etc.
Los etruscos copiaron profusamente el paisaje
que tenían a su alrededor, tanto natural como so-
cial. Retrataban escenas mitológicas y funerarias.
Necrópolis de Tarquinia

Pintura mural de Fersu corriendo o danzando en la Tumba
de los Augures, finales del siglo VI a. C., Tarquinia. (Public
Domain)
El sarcófago de Seianti Hanunia Tlesnasa es un
artefacto etrusco del siglo II a. C. descubierto
en 1886 cerca de Chuisi. El sarcófago se con-
serva en el Museo Británico de Londres. Es una
de las obras más importantes del arte funerario
etrusco final.
Pintura etrusca representando a un músico, en la llamada
«Tumba del Triclinio», en Tarquinia.

Los etruscos se asentaron en el centro de Italia,
aproximadamente en las actuales regiones de
Toscana, Lacio y Umbria. Desde ahí se exten-
dieron hacia el norte y costa sur del mar Tirreno,
hasta la Campania. Llegaron a ocupar la isla de
Córcega.
Pintura mural etrusca, representando a
un músico, en la llamada «Tumba del
Triclinio», en Tarquinia, h. 480 a. C.
Tumba de los Leopardos – hacia el año 500 a.
C., en Tarquinia

Arte romano (h. 400 a. C - 476 d.C.)
El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas,
como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el si-
glo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban me-
diante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción
de templos
Busto romano de Antínoo. Expuesto en el Museo del Louvre en París.
E
l arte romano hace referencia al conjunto de
manifestaciones artísticas, como la pintura,
escultura y arquitectura, desarrolladas en
Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante
este periodo, los romanos se expresaban median-
te diversas técnicas asociadas a las artes decora-
tivas y a la construcción de templos y monumen-
tos.
El arte romano así como la cultura romana en sí
misma, sientan sus bases sobre un entramado
político y social muy complejo. Para comprender
mejor el contexto en el que se desarrolló el arte
romano y estudiar sus características, viajemos al
pasado y veamos cual es el origen del arte roma-
no.
En la pintura romana va a influir decisivamente el
arte griego, ya que ya desde la época de César
llegaron pinturas griegas que arrancaban de las
paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una de las
razones por las que apenas se conservan pinturas
murales griegas.
Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían
una finalidad práctica: decorar las casas y pala-
cios. La condición social del pintor era la de un
artesano, aunque los que pintaban sobre tabla te-
nían mayor prestigio.
La pintura mural se realizaba con la técnica del
fresco, aunque también se discute que en algu-
nas ocasiones se utilizaran técnicas mixtas. Para
la pintura sobre tabla se utilizaban las técnicas al
temple y a la encaústica.
La gama de colores era amplia, ya que a la del
mundo griego y egipcio se les suman algunos co-
lores más. Destacan el negro, el blanco, el rojo y
el amarillo, aunque a veces también se utilizaron
verdes, azules y violetas. Se aplicaban mezclados
con agua y a veces con cola.
La pintura romana se clasifica en cuatro estilos a
partir del siglo XIX y fueron establecido en base a
las pinturas conservadas en Pompeya.
Las pinturas de Pompeya son las mejor conser-
vadas ya que en el año 79 d.C. una erupción del
Vesubio cubrió toda la ciudad, permitiendo que se
conservaran las pinturas (entre otras muchas co-
sas) como no se han conservado en ninguna otra
ciudad. Todas las pinturas de Pompeya se encon-
traban en Domus.

Esta pintura procedente de Pompeya es una de
las obras maestras del cuarto estilo. De clara in-
fluencia helénica, el héroe aparece representado
completamente desnudo.
Teseo fue el gran héroe de la región del Atica que
consiguió entre muchas otras hazañas, y con la
ayuda de Ariadna, vencer al monstruo de cabeza
de hombre y cuerpo de toro. Este mismo tema lo
encontramos en un fresco de la basílica de Her-
culano.
Estilos de Incrustación
Este estilo de pintura romana se desarrolla desde
mediados del s.II a.C. hasta principios del s.I a.C.,
todavía en época republicana.
Es así llamado porque imita la decoración de már-
moles que se aplicaban en época helenística. Es
un estilo muy colorista, de aspecto muy suntuoso.
El muro suele estar dividido en tres: un zócalo pin-
tado imitando granito, una zona media imitando
mármol y un remate a modo de cornisa realizada
en estuco.
Estilo Arquitectónico
Se desarrolla durante el s.I a.C, en la época de
César. Es llamado estilo arquitectónico porque
imita no sólo revestimientos sino
también arquitecturas. También
es llamado “Estilo de perspecti-
va arquitectónica” porque busca
profundidad y perspectiva.
Esto hace que las estancias pa-
rezcan más grandes.
Se dan frecuentemente las ventanas, tras las que
se puede ver edificios, y resulta más teatral, ade-
más, aparece el paisaje.
En definitiva, se trata de una pintura romana que
tiende a la disolución del muro. Es un estilo ya de
plena creación romana.
Estilo Mixto u Ornamental
Pintura romana en la Casa de la Fortuna de Car-
tagena Sé dio entre el 27 a.C. hasta la mitad del
s.I d. C, es decir, durante la época de Augusto y
sus sucesores. Es un estilo mixto porque en cierta
manera es una mezcla de los dos anteriores. Es
un estilo menos real y más fantástico.
Se caracteriza por la representación de elementos
ornamentales muy ligeros, apareciendo también
edificios fantásticos, frisos con niños, elementos
vegetales muy estilizados, figuritas de animales,
de humanos también pero más pequeñas y deli-
cadas, y pequeñas escenas mitológicas. Los colo-
res son muy intensos.
Se dio más en Roma que en Pompeya y destacan
las de la Domus Aérea de Nerón.

Uno de los murales del segundo estilo (s I a.C.) en el triclinio de la Villa de los Misterios (Pompeya) que posiblemente repre-
sente la iniciación en los misterios dionisíacos. Fuente: Wikimedia Commons
Pintura Mural
Destacaba por los diferen-
tes temas y temáticas que se
usaban:
Arricio: usaban la cal, are-
na y el agua durante el pro-
ceso de preparación de la
superficie, y aprovechaban la
humedad para la aplicación
de los colores.
Intonaco: aquí se usaba
una mezcla más fina de polvo
de mármol, cal y agua, para
meter los pigmentos corres-
pondientes despues.
Fresco: la más conocida y
la que perduró en la historia
con mayor claridad, se aplica-
ba una base de yeso, suce-
dida por varias de cal hasta
que se disponía de una última
que se usaba como superficie
para dibujar las imágenes.
Estilos de la pintura romana
Pintura en Mosaico
Durante el proceso de conquista y expansión del Imperio Romano, el
mosaico fue el tipo de pintura romana más popular , de hecho llegó
a encontrarse en todas las obras algo de este estilo.
Los mosaicos se hacían con pequeñas piezas de vidrio, incluso de
cerámicas conocidas como “teselas”, las cuales se colocaban en las
superficies a modo de puzzles. Se colocaban sobre una masa de
cemento para producir diferentes matices de color y textura.
Aunque al principio solo se usó en paredes y techos, por miedo a los
daños, con el paso del tiempo, se empleó en los suelos, tras mejorar
y perfeccionar la técnica.
Opus Vermiculatum: eran piezas muy pequeñas, ya que se usa-
ban en las curvas y en las zonas más estrechas y de difícil acceso.
Opus Masivum: se usaban en las paredes de las estructuras.
Opus signinum: su significado procede de Signia, una zona de
Italia famosa por usar tejas y materiales de construcción. No solo se
usó dentro del Imperio Romano, pero también evolucionó y progresó
hasta otras zonas de Occidente, donde podía verse sobre todo en
los suelos.
Opus Sectile: eran las piezas más grandes y se podrían observar
muchas variedades en los tamaños. Aunque también destacaba el
uso de diferentes colores, figuras geométricas, de animales y huma-
nas.

Mosaico romano figurativo en la villa
romana de La Olmeda, Pedrosa de
la Vega (Palencia, Castilla y León).
Pintura al Temple
Una de las más antiguas, procede desde Grecia y se basaba en
el uso del agua y de alguna grasa animal, o del huevo, que era la
opción preferida por el gran Miguel Ángel. Según los expertos de
arte, la pintura al temple es fácil de encontrar dentro de la pintura
de Roma.
Pintura encáustica
Una de las características de este tipo de pintura es la cera que
usaban, y es que daban un aspecto cremoso y denso en la pin-
tura y en los colores. Tras acabar la obra, se pasaba una tela de
lino para limpiar las impurezas, lo que a su vez ayudaba a que se
conservase mejor.
Ejemplo de encáustica proveniente de
Solunto, Sicilia (siglo I a. C., Museo ar-
cheologico regionale di Palermo).
Frontal de altar pintado al temple sobre
tabla, autor anónimo, siglo XII, procede
de la Seo de Urgel, actualmente en el
Museo Nacional de Arte de Cataluña
(MNAC).

Villa de los misterios. Pompeya
Pinturas de la casa de la concha de venus
Iconográficamente, la escena principal se reserva a Venus
y su nacimiento, flotando sobre las aguas sobre su concha.
Saturno castra a su padre Urano y lanza sus testículos al
mar. Al contacto con el agua surge de las olas Venus que,
en su concha, es empujada por Céfiro hacia Citirea y Chi-
pre, en donde será recibida por las Estaciones que las con-
ducen hacia el Olimpo.
La civilización romana se origi-
nó en la región del Lacio, en el
centro de la península itálica. A
lo largo de doce siglos se expan-
dió por la cuenca del mar Medi-
terráneo, el centro de Europa,
Asia menor y parte de las Islas
Británicas.

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